Hidetaka Suzuki | Two Values






붙은 시선, 붙은 이미지

스즈키 히데타카(Hidetaka SUZUKI 鈴木秀尚)의 작가 노트를 읽어 보면, 화폐에 대한 두 단상에서 글은 시작한다. 하나는 화폐를 보관하는 저금통, 다른 하나는 축의금이다. 저금통에 가치가 물질적으로 채워지고, 큰 액수와 사람들의 마음이 지폐에 상징적으로 담긴다. 작가에게 회화란 바로 이런 의미에서 “사물인 것, 사물 아닌 것, 그 양극단을 연결하는 것”이다. 본인만의 기억과 마음이 담길 수 있지만 (저금통 안에 얼마나 담겼는지) 보이지 않고, 단숨에 날아가거나 사라질 수도 있는 물질적 한계를 보유하는 것이다. 초연함의 정물은 더 풍성하고 활기찬 기억을 받아주는 그릇 역할을 하기도 하지만, 금방 떨어질지도 모르는 낱장의 이미지이기도 하다. 이 사이에 완벽한 균형을 맞추기란 도통 쉬운 일이 아니다. 스즈키 히데타카의 회화에서 이미지는 간신히 붙어 있는 불균형의 상태, 이 관계망에서 사물이 되기도 사물이 되지 않기를 좋아한다.

이번 개인전 《Two Values》에서 스즈키 히데타카의 회화가 보여주는 것은 대체로 정물이다. 작가는 일상적인 사물을 조용한, 그러나 낯선 모습으로 등장시킨다. <Oblivion>(2022)에는 끓는 물과도 같은 얼음이 보이며, <Error>(2023)에서 채소는 그림에서 떨어져 나온 것처럼 밑에 하나 더 그려지고, <ON / OFF>에서 조명은 ON 상태의 열기를 물감의 OFF 상태로 그려진다. 이번 전시 제목인 《Two values》는 무엇보다 사물과 시각적 표현 사이에서 추구되었다고 이해할 수 있다. 회화는 물감의 물성과 표현의 변형이나 왜곡을 통해서 이미지를 만들며, 사물은 이미지라는 결과물로써 화면에 담긴다. 그런데 작품을 실제로 보다 보면 붓질이 깊이감을 만들어내면서도, 더 그려지기 일보 직전에 발을 빼기라도 하듯이 이미지를 평면(적)으로 유지한다. <Stick>(2024)은 별 모양이 구멍처럼 뚫려 있는 것처럼 보였다가도, 별 모양의 스티커가 붙어 있는 것처럼 보이고, <Narcissus>(2023)에서 거북이는 물속에서 헤엄치는 듯 보였다가 질감 있는 담벼락에 벽화로 그려진 것처럼 보이기도 한다. <Error>에서 채소(작가가 거주하는 일본에서 흔한 ‘오쿠라’일 것이다. 아니면 유사하나 다른 채소를 두고 어느 한쪽이 다른 한쪽과 동일한 것이 아닌 ‘오류’인, 또 다른 채소)는 반으로 자른 것처럼, 혹은 유체 이탈하듯 환영을 하나 더 생성한 것처럼 보인다.

전시 제목인 ‘두 가치’란, 열거하듯이 각각 설명되는 것이 아니라 한 화면 안에서 만나고 떨어져 나가는 힘들의 만남을 가리킨다. “사물인 것, 사물 아닌 것, 그 양 극단을 연결하는 것을 그림으로 시도한다. 그림이란 그 양 극단의 중간쯤에 위치하는 것이라고 나는 느낀다.”(작가 노트) 그의 회화는 물감과 이미지가 붙어 있는 캔버스 위에서 ‘무엇이 사물인가?’라는 질문을 그야말로 부유하게 한다. 낯섦으로 부유하는 이미지는 궁극적으로 ‘그 사물을’ 보는 시선과 ‘회화를’ 보는 시선을 교차시킨다—즉 한 지점에서 만나는 동시에 방향이 엇갈릴 수 있다. 회화로 보다가 물성을 느끼고, 사물을 보다가 서사가 떠오른다. 작가 노트에서 스즈키 히데타카가 사물의 기억을 더듬는 이유가 바로 여기에 있다. 기억은 사물과 함께 있던 사람에 의해, 그와 함께 그려지는 것이다. 그 기억에서 떨어져 나간 사물은 사물로 남지만, 동시에 어떤 사람에게 또 다른 기억을 소환할 근원지와도 같다. 회화가 보여주는 이미지는, 제목이나 시선이 하나로 만났다가도 다시 한쪽에 힘이 쏠리기도 하는 관계망 안에서 형성形成하는—말 그대로 형태를 이루는 것이다. 이미지는 붓질에 의해, 서사에 의해, 사물에 의해, 이것들을 아울러 또는 떨어져 나가면서(도) 간신히 붙어 있게=존재하게 된 것이다.

글_콘노 유키



Stuck Gazes, Stuck Images

When reading Hidetaka Suzuki's (鈴木秀尚) artist's statement, it begins with two reflections on money. One is about a piggy bank, and the other is about congratulatory money. The piggy bank is filled with material value, while large sums and people’s sentiments are symbolically contained in banknotes. For Suzuki, painting is about "connecting the extremes of what is and what is not an object." His work can hold personal memories and emotions, much like how the contents of a piggy bank are hidden from view, and it possesses the material limits of being ephemeral or easily lost. Still life in his art serves as a vessel for richer, more vibrant memories but also exists as a single image that might quickly fade. Achieving a perfect balance between these aspects is no easy task. In Suzuki's paintings, the images are in a state of delicate balance, barely holding together. Within this network of relationships, objects oscillate between being and not being objects.

In this exhibition 《Two Values》, Suzuki primarily showcases still life paintings. The artist presents everyday objects in a quiet yet unfamiliar manner. In <Oblivion> (2022), ice appears like boiling water. In <Error> (2023), a vegetable is depicted twice, once as part of the painting and another as if it has fallen off the painting. In <ON / OFF>(2024), the heat of an ON bulb is painted in an OFF state of paint. The title of this exhibition, 《Two Values》, can be understood as an exploration between objects and their visual representation. Suzuki's paintings create images through the material properties and the distortions of paint. Objects are captured on the canvas as images. However, when viewed in person, the brushstrokes create a sense of depth while simultaneously pulling back just before completing the image, maintaining its flatness. In <Stick> (2024), a star shape appears to be a cut-out hole but then looks like a star-shaped sticker. In <Narcissus> (2023), a turtle seems to be swimming underwater but also appears as a mural on a textured wall. In <Error>(2024) the vegetable (likely an okra common in Japan, or a similar vegetable mistaken for another) appears as if it has been cut in half or has generated a ghostly duplicate, emphasizing an ‘error’.

The exhibition title 《Two Values》, does not refer to separately listed explanations, but rather to the meeting and diverging forces within a single canvas. “I attempt to connect the extremes of what is and what is not an object through painting. I feel that painting lies somewhere in between these two extremes,” (Artist's statement). On the canvas, his paintings float the question “What is an object?” through the interplay of paint and image. The images, floating in unfamiliarity, ultimately intersect the gaze that sees the object and the gaze that sees the painting—meeting at a point while diverging in direction. While viewing the painting, one feels the materiality; while looking at the object, a narrative emerges. This is why Suzuki traces the memory of objects in his artist's statement. Memories are depicted by the people who were with the objects, along with the objects themselves. Objects detached from those memories remain objects, but they also serve as sources that can evoke different memories for other people. The images presented in the paintings form within a network of relationships where titles and perspectives meet and shift—literally shaping the form. Images are tenuously held together, or made to exist, through brushstrokes, narratives, and objects, sometimes converging and sometimes diverging.

Text_Konno Yuki





































Artist’s Statement

당신의 인생에서 가장 오래 소유한 물건은 무엇입니까?

나는 초등학교 저학년 때 할머니에게 받은 니코짱 마크 저금통이 떠오른다.

특별히 소중히 여기는 것도 아닌데, 왜인지 버리지 못하고 계속 가지고 있다. 이쯤 되면 더 이상 저금통이라는 도구가 아니라 그냥 가지고 있는 것만으로도 의미가 남는 신기한 존재가 되어버렸다.

내게는 또 하나 애착이 가는 물건이 있다. 그것은 결혼식에서 부모님과 친구들에게 받은 축의금이다. 하지만 축의금이기 때문에 돈이다. 돈은 쓰지 않으면 그냥 종이쪼가리일 뿐이다. 하지만 돈으로서의 가치보다 그 종이조각 자체가 소중해졌다. 마치 부적 같은 것이다. 이것이 고작 1만 엔이라는 사실이 더 이상하게 느껴진다. 이것은 나에게 매우 신선한 경험이었다. 돈이라는 교환 가능한 물질이 이 세상에서 유일한 것이 될 수 있다는 것을 알았다.

나는 이미지를 바탕으로 그림을 그리는 것이지만, 실물로 손에 남을 수 있는 형태로 만드는 것이 하나의 목적이기도 하다. 아무래도 인간은 형체가 있는 것에만 정을 남길 수 있는 것 같다. 이미지는 정보가 중요한 것이지 이미지 자체가 중요한 것은 아니다.

다시 한 번 물건을 만든다는 것, 그림을 그린다는 것에 대해 생각해보고 싶다. 그것은 정보를 더 많이 섭취하는 현대에는 또 다른 의미를 가질 수 있을 것이다. 사물인 것, 사물 아닌 것, 그 양 극단을 연결하는 것을 그림으로 시도한다. 그림이란 그 양 극단의 중간쯤에 위치하는 것이라고 나는 느낀다. 교환 가능한 이미지를 교환 불가능한 것으로 가치를 전환시킨다. 이를 위해 나는 정보로서의 의미와 나의 기억이 교차하는 결절점 같은 곳을 그림 속에서 찾는다.

What is the longest thing you have owned in your life?

The one that comes to mind is a piggy bank with a smiley face symbol that my grandmother gave me when I was in the early grades of elementary school.

I don't particularly cherish it, but for some reason I have not been able to get rid of it and it has been with me for a long time. It is no longer a piggy bank, but a mysterious thing that is meaningful only to have it.

There is one more thing that is very dear to my heart. It is a congratulatory gift that I received from my parents and friends at my wedding. But since it is a congratulatory gift, it is money. If money is not used, it is just a piece of paper. But the piece of paper itself has become more important than its value as money. It is like a good luck charm. The fact that it is only 10,000 yen makes me feel strange. This was a very new experience for me. I learned that money, an exchangeable substance, can be the only thing in this world.

I paint based on internet images, and one of my purposes is to give them a form that remains with me as a thing. It seems that human beings can only preserve their feelings in tangible objects. The information in the image is what is important, not the image itself.

I would like to consider once again the act of making things, of drawing pictures. It may have a different meaning today, when we consume more information. I try to connect the two poles of being a thing and not being a thing through painting. I feel that a picture is something that lies exactly between these two extremes. I try to transform the value of an interchangeable image into something that is not interchangeable. In order to do this, I look for a nodal point in the picture where the meaning as information and my memory intersect.


あなたの人生の中で最も長く所有しているものはなんだろうか。

私が思い当たるのは、小学校低学年の時に祖母からもらったニコちゃんマークの貯金箱だ。

特に大事にしているわけでもないのだが、なぜか捨てられずにずっと手元にある。ここまで来るともはや貯金箱という道具ではなく、ただ持つことだけに意味が残る不思議な存在になってしまっている。

もう一つ私には思い入れのあるものがある。それは結婚式で親や友達にもらったご祝儀だ。といってもご祝儀なのでお金である。お金は使わなければただの紙切れである。しかしお金としての価値よりも、その紙切れ自体が大切になってしまった。お守りのようなものだ。これがたった一万円という事実の方がおかしく感じてしまう。これは自分にとってとても新鮮な体験だった。お金という交換可能な物質が、この世で唯一のものになることを知った。

私は画像を元に絵を描いているが、ものとして手元に残る形にするということが一つの目的でもある。どうやら人間は形あるものにしか思い入れを残すことができないようだ。画像は情報が大切なのであり、画像自体が大切になることはない。

もう一度ものを作ること、絵を描くということを考えてみたい。それは情報をより多く摂取する現代ではまた違う意味を持つのかもしれない。ものであること、ものではないこと、その両極を繋げることを絵で試みる。絵とはその両極のちょうど中間に位置するものだと私は感じる。交換可能な画像を交換不可能なものに価値を転換させる。そのために私は情報としての意味と私の記憶とが交錯する結節点のような場所を絵の中で探す。




Q&A with Hidetaka Suzuki

Q: 작가님께서 작품을 그릴 때 내재한 주된 물음이 무엇인가요?

A: 회화의 기록성에 대해 고민하고 있습니다. 데이터가 중심이 된 현대에 그림으로 무엇을 남길 수 있을지 궁금합니다. 


Q: 이번 전시에 등장하는 정물을 보면 대상을 제외한 다른 요소들은 배제되어 있습니다. 그래서 더 집중이 가는 것 같은데요, 기존 이미지에서 요소들을 의도적으로 제거하시나요?

A: 네, 삭제한 것이 많아요. 이번 전시 작품뿐만 아니라 제 작품의 특징이라고 생각합니다. 그리는 대상을 전후 맥락에서 떼어내고자 합니다.


Q: 작가님의 그림에서는 일상적인 사물들이 ‘낯설게(strange)’ 보입니다. 익숙하면서도 익숙하지 않은 양가적인 느낌이 동시에 듭니다. 작가님만의 낯선 느낌을 주기 위해 어떤 과정을 거치시나요?

A: 가급적 제 감정이 들어가지 않도록 객관적으로 그리는 것을 의식하고 있습니다. 일반적으로 본 적이 있는 모티브이면서, 그 모티브가 지금까지 본 적 없는 것이었으면 좋겠다고 생각합니다.


Q: 그림의 도상들을 인터넷에서 추출하신다고 알고 있습니다. 인터넷상이나 AI를 이용하여 디지털 이미지를 수집하시게 된 계기가 있나요?

A: 저는 웹 엔지니어로서 코드를 작성하는 일을 하고 있습니다. 그 속에서 기술과 사상을 접할 기회가 많았고, 가장 아날로그적인 매체인 그림과의 비교에 흥미를 갖게 되었습니다.


Q: 작가님의 작품은 거칠지만 섬세한 붓 터치가 인상적입니다. 터치감에 망설임이 없어 보이는데요, 실제로 이미지를 캔버스에 옮길 때 즉흥적인지 궁금합니다.

A: 대부분의 작품을 즉흥적으로 그립니다. 그리는 시간은 짧지만, 그려야 할 이미지를 결정하기까지 오랜 시간이 필요합니다. 화면을 최대한 객관화하기 위해 화면에 접하는 시간을 최대한 줄여야 한다.


Q: Pokettales에서 한국 첫 개인전을 열게 된 소감과 내방객분들께 한 말씀 부탁드립니다.

A: 작년에는 유럽과 미국에서 전시를 많이 했는데, 올해는 아시아에서 처음으로 전시를 많이 했어요. 그 중 한국에서도 처음으로 개인전을 열게 되어 기쁘게 생각합니다. 꼭 실제 작품을 보러 오셨으면 좋겠어요.



Q: What is the main question that underlies your work when you are creating a piece?

A: I think about the recording nature of painting. In this data-driven era, I am curious about what can be preserved through painting.


Q: In the still life paintings featured in this exhibition, other elements besides the subject are excluded. This seems to focus the viewer's attention more intensely. Do you intentionally remove elements from the original image?

A: Yes, I intentionally remove many elements. This characteristic applies not only to the works in this exhibition but to my overall approach. I aim to isolate the subject from its context.


Q: In the piece "Oblivion," the subject is depicted larger than life, making it difficult to identify at first glance and giving it an almost ethereal quality. What considerations do you take into account when adjusting the size of the subject and the canvas?

A: My process begins with selecting an image, and I intuitively decide the size it should be painted. For ‘Oblivion’ I wanted to paint an angel. The idea of depicting an angel at such a large scale was intriguing, so I chose that size.


Q: In your paintings, everyday objects appear ‘strange’. They evoke a sense of familiarity yet also feel unfamiliar. What process do you follow to create this unique sense of strangeness?

A: I strive to remain objective and minimize personal emotions in my work. My goal is to take commonly seen motifs and transform them into something never seen before.


Q: I understand that you extract elements for your paintings from the internet. What led you to start collecting digital images through the internet and AI?

A: In addition to being a painter, I also write code as a web engineer. This exposure to technology and digital concepts sparked my interest in comparing these elements with the analog medium of painting.


Q: Your work is characterized by rough yet delicate brushstrokes. The touch seems confident and unhesitant. Is your process spontaneous when transferring the image to the canvas?

A: Most of my work is indeed spontaneous. Although the actual painting process is quick, selecting the right image takes a long time. To maintain objectivity, I try to minimize the time spent physically working on the canvas.


Q: Could you share your thoughts on having your first solo exhibition in Korea at Pokettales and a message for the visitors?

A: Last year, I exhibited mainly in Europe and the U.S., but this year I’ve had many first-time exhibitions in Asia. I am delighted to hold my first solo exhibition in Korea. I hope visitors will enjoy seeing the actual works in person.





Art Works


Untitled-10
318 × 410 mm
Oil on Canvas
2024
ON / OFF
652 × 530 mm
Oil on Canvas
2024
Inversion
455 × 380 mm
Oil on Canvas
2024



Fragment
410 × 318 mm
Oil on Canvas
2024
Stick
333 × 242 mm
Oil on Canvas
2024
Assets
727 × 500 mm
Oil on Canvas
2023



Narcissus
727 × 606 mm
Oil on Canvas
2023
Error
652 × 530 mm
Oil on Canvas
2023
Oblivion
1303 × 970 mm
Oil on Canvas
2022



POP
410 × 318 mm
Oil on Canvas
2023
Butterfly effect
410 × 318 mm
Oil on Canvas
2023
Possessed
410 × 318 mm
Oil on Canvas
2023




Artist

히데타카 스즈키 Hidetaka Suzuki (b.1986)


스즈키 히데타카는 1986년 일본 홋카이도에서 태어나 2014년 무사시노 미술대학에서 미술 석사, 유화 과정을 마쳤다. 그는 현재 도쿄를 기반으로 활동 중이다.

작품에서 '현실과 허구'라는 주제에 일관되게 집중하면서도 적극적으로 기술을 접목하면서 그림 표현을 추구한다. 그는 뉴욕, 마이애미, 홍콩, 벨기에, 스페인의 다른 단체 전시회와 아트 페어에 참여했으며, 최근 몇 년 동안 전 세계에서 그의 작품을 계속 선보이고 있다.


Hidetaka Suzuki was born in Hokkaido, Japan in 1986 and completed the Master of Fine Arts, Oil Painting Course at Musashino Art University in 2014. He is currently based in Tokyo.

Consistently focusing on the theme of “reality and fiction” in his work, he pursues painting expression while actively incorporating technology. He has participated in other group exhibitions and art fairs in New York, Miami, Hong Kong, Belgium, and Spain, and in recent years has continued to present his work around the world.




Education
2014
2012
MFA, Oil Painting Course, Musashino Art University, Tokyo
BFA, Oil Painting Course, Musashino Art University, Tokyo



Exhibition

- Solo

2024 
2023 



2022
2021 

2015
Solaris / PTT Space, Taipei
Bird and Mirror / biscuit gallery, Tokyo
Hallucinations / Edel Assanti, Online
HIDETAKA SUZUKI SOLO EXHIBITION /
ACKERMAN CLARKE, Chicago
Entity / biscuit gallery, Tokyo
Aberrating Surface / WHYNOT. TOKYO, Tokyo
Absence of both / Second 2., Tokyo
light house vol.10 planed by Seiji Amashige, Hidetaka Suzuki
“What you wanted to see was surely what I would like to see” / switch point, Tokyo 

- Group

2024





2023


2022






2021



2018


2017

2016
Ghost Letter / HIRO OKAMOTO, Tokyo
Opening Exhibition / Hunsand Space, Shijiazhuang
Objecting Reality / WOAW GALLERY, Hong Kong
Emotional Intelligence II /
polina berlin gallery, New York
ECLECTIC! / Mees-Van De Wiele Galerie, Gent
Group exhibition / scroll.nyc, New York
「grid2」/ biscuit gallery, Tokyo
Opening exhibition / Mees-Van De Wiele Galerie, Gent
WHAT CAFE × WHYNOT.TOKYO EXHIBITION /
WHAT CAFE, Tokyo
The Rise of Inside / Artsy, Curated by Eve Leibe gallery, ARTSIN SQUARE, Online
The Space Between / LONDON PAINT CLUB, Online
CROSSROADS / WHAT CAFE, Tokyo
「grid」/ biscuit gallery, Tokyo
EMERGENCE / RISE ART Soho gallery, London
TOGETHER THROUGH PAINTING /
LONDON PAINT CLUB, Online
estate / ZEIT-FOTO kunitachi, Tokyo
ookk/puzz-le / FARO Kagurazaka, Tokyo
ASSEMBLY – HIDTAKA SUZUKI + YUKI HAYASHI – / AWAJI Cafe & Gallery, Tokyo
startbahn presents 「Fujisantenβ」 /
AWAJI Cafe & Gallery, Tokyo
Morning Star #01 / NANZUKA, Tokyo


외 다수


Art Fair
2024

2023



2022
New Art Dealers Alliance New in York 2024 from
ACKERMAN CLARKE
New Art Dealers Alliance (NADA) fair in Miami from
ACKERMAN CLARKE
Contemporary Art Now Fair 2023 from Cob gallery
Art Fair Tokyo 2023 from biscuit gallery
New Art Dealers Alliance (NADA) fair in Miami from
ACKERMAN CLARKE


Awards
2013
2009
Shell Art Award 2013
Golden Acrylics prizes / GESIAI#13








◻︎ Artist: 히데타카 스즈키 Hidetaka Suzuki @suzukihidetaka
◻︎ Photography : 고정균 Jungkyun Goh
◻︎ Text: 콘노 유키 Konno Yuki / 히데타카 스즈키 Hidetaka Suzuki

◻︎ Q&A: 정나라 Nara Jung_pokettales curator / 히데타카 스즈키 Hidetaka Suzuki
◻︎ Design: STUDIO PKTD
 
© 2024. HIDETAKA SUZUKI. All rights reserved.






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