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Ryu Yeunhee | 100 Monoliths






형태의 문법

형태는 언어와 같다. 류연희의 조형 언어는 금속이라는 물질을 통해 조용하지만 밀도 높은 어휘를 구축해왔다. 이번 전시 《100 Monoliths》는 반복과 변형, 응축과 확산을 통해 금속의 언어가 어떻게 문장을 이루고, 조형적 문법을 형성하는지를 보여준다.

작가는 고정된 순서를 따르지 않고 여러 작업을 동시에 진행하며, 손으로 만지고 다듬는 과정을 통해 형태를 발견해 나간다. 일상 속에서 직접 사용하고 싶은 물건을 만들고자 하는 그의 태도는 조형 행위를 실용성과 감각, 기억의 층위 안에서 다시 바라보게 만든다. ‘대충미’라 불리는 이 고유의 미학은 완성되지 않은 것처럼 보이는 표면을 통해 자연스러움과 시간의 흔적을 강조한다.

이번 전시는 원기둥을 기반으로 한 100여 점의 소형 조형물로 구성되어 있다. 각각의 오브제는 작은 단위로 존재하지만, 그 구조적 농도와 상징적 압축을 통해 개별적인 서사를 품는다. 동시에 이들은 공간 안에서 유기적으로 연결되어 하나의 조형 문장을 이루며, 집합성과 단일성 사이의 긴장을 형성한다.

‘모노리스(Monolith)’는 고립된 돌기둥 혹은 기념비를 의미하는 동시에, 기억과 시간, 존재의 무게를 환기시키는 상징으로 기능한다. 류연희는 이 형식을 통해 반복 속에서도 미세한 차이와 변주의 감각을 조형화하며, 관람자에게 형태가 가진 언어적 잠재성을 환기시킨다.

전시장에 배치된 100개의 조형물은 마치 언어의 단어처럼 나열되어 있으며, 그 조합 방식에 따라 새로운 문장이 만들어진다. 이는 고정된 해석을 요구하지 않으며, 각 관람자가 이동하고 조우하는 방식에 따라 다층적인 감각의 문맥이 형성된다.

이번 전시는 작가가 오랜 시간 축적해온 조형적 언어의 현재를 보여줌과 동시에, 2025년 <로에베 재단 공예상> 파이널리스트 선정 및 <에베-바이스-바인가르트 상> 1위 수상의 성과를 기념하는 자리이기도 하다. 류연희의 작업 세계가 한국을 넘어 국제적 맥락에서도 공감과 반향을 일으키고 있음을 확인하는 동시에, 앞으로의 새로운 전개를 예고하는 지점이 될 것이다.


The Grammar of Solids

Form can be read like language. Ryu Yeunhee’s sculptural vocabulary—developed through years of working with metal—constructs a quiet yet dense lexicon of material presence. Her solo exhibition, 《100 Monoliths》, reveals how repetition, transformation, compression, and dispersal converge to form a grammar of solids.

Rather than following a fixed order, Ryu develops multiple works simultaneously, discovering form through direct, tactile engagement with materials. Her process is grounded in the rhythms of daily life and a desire to create objects she herself would use. This approach underlies her unique aesthetic concept of ‘daechungmi’, which values the natural traces of time and use over polished perfection.

The exhibition features approximately 100 small-scale sculptures, each based on variations of the cylindrical form. Individually, the works carry a concentrated structure and symbolic depth; collectively, they form a unified yet dynamic visual syntax, balancing autonomy and collectivity within the exhibition space.

The term “monolith” refers not only to a singular stone pillar or commemorative object, but also evokes broader notions of memory, time, and presence. Ryu engages with this form to examine subtle differences and variations within repetition, prompting viewers to consider the latent linguistic potential of the form itself.

Installed throughout the gallery, these 100 monoliths are arranged like words in a sentence—modular yet meaningful in relation to one another. Rather than proposing a fixed interpretation, the works invite open readings shaped by the viewer’s own movement and engagement, constructing a layered syntax of material experience.

This exhibition not only presents the current state of Ryu Yeunhee’s sculptural language, cultivated over many years, but also marks a moment of celebration following her recent international recognition as a finalist for the 2025 <Loewe Foundation Craft Prize> and the first-place winner of the <Ebbe-Weiss-Weingart Prize>. It affirms the resonance of her work beyond Korea and within a broader global context, while also signaling new directions for the evolution of her practice.










Artist’s Statement

작업 과정과 철학

저는 각 작품마다 정해진 방식이나 순서를 따르지 않습니다. 대신 여러 작품을 동시에 진행하며, 각 공정을 성실하게 거쳐 나갑니다. 완성 또한 순차적으로 이루어지지 않고, 어느 순간 여러 작품이 한꺼번에 완성되는 경우가 많습니다. 일상 속에서 내가 직접 쓰고 싶은 물건을 만들고자 하며, 대충미(daechungmi) 기법으로 형태를 잡고, 은땜으로 각 부위를 이어 작품을 완성합니다. 저는 공예의 진정한 가치는 사용될 때 드러난다고 믿습니다. 그래서 새것의 반짝임보다, 사용하며 자연스럽게 드러나는 멋과 아름다움을 더 선호합니다.

영감의 원천과 조형 언어

형태를 부분적으로 해체하고 다양한 재료를 조합하는 데서 영감을 얻습니다. 디자인을 미리 계획하기보다, 재료와 직접 손으로 만지고 다루며 형태를 발견해나가는 과정을 중요하게 생각합니다. 작업실 곳곳에 흩어져 있는 자투리 재료들을 구부리고 다듬어 익숙하고 소박한 느낌의 작품을 만들어냅니다. 완전히 새로운 디자인을 추구하기보다, 기존의 재료를 활용해 따뜻하고 친근한 분위기를 담아내는 것을 선호합니다.

형태와 질감의 미학

작품의 표면이 맞닿는 부분에서는 의도적으로 거칠거나 고르지 않은 질감을 남겨 자연스럽고 편안한 분위기를 연출합니다. 이를 저는 ‘대충미(daechungmi)’ 라 부르는데, 겉보기에 거칠거나 대충 만든 듯한 마감이 시간이 지남에 따라 은은한 멋과 자연스러운 아름다움을 드러냅니다. 차갑게 느껴질 수 있는 금속 재료에 따뜻함을 담아내는 것이 제 작업의 목표입니다. 자유로운 곡선과 유기적인 형태, 거친 텍스처를 통해 금속의 차가움을 넘어 따뜻함을 표현하고자 합니다. 형태의 무한한 변주를 가능하게 하는 것이 공예가의 특권이라 믿습니다.


Process and Philosophy

I don’t follow a fixed method or sequence for each piece. Instead, I work on multiple pieces simultaneously, sincerely engaging in each stage of the process. Completion does not occur in a linear fashion—often, several works are finalized all at once, almost unexpectedly. My creations begin with a desire to craft something I would personally use in everyday life. Using the ‘daechungmi’ technique, I loosely shape the form and solder individual parts together to complete the work. I believe the true value of craft is revealed through use. That’s why I prefer the subtle beauty and charm that naturally emerge over time, rather than the pristine shine of something brand new.

Sources of Inspiration and Visual Language

I draw inspiration from deconstructing forms and combining different materials. Rather than adhering to a predetermined design, I place importance on discovering form through the tactile act of handling materials with my hands. I often use leftover scraps scattered throughout my studio, bending and refining them into pieces that feel familiar and unpretentious. I don’t aim for completely novel designs; rather, I focus on creating a warm and approachable atmosphere using existing materials.

Aesthetics of Form and Texture
Where surfaces meet, I intentionally leave uneven or rough textures to evoke a sense of comfort and ease. I call this aesthetic ‘daechungmi’—a deliberately rough or seemingly unfinished quality that, over time, reveals a quiet elegance and natural beauty. My goal is to convey warmth through metal, a material often perceived as cold. Through flowing curves, organic forms, and coarse textures, I aim to go beyond the inherent coldness of metal and express a sense of warmth. I believe that the infinite variation of form is one of the great privileges of being a craftsperson.



Q&A with Yeunhee Ryu 류연희

Q: 작업하실 때 ‘계획보다 과정’이 중요하다고 하셨는데, 조형의 형태가 완성되기까지 어떤 직관이나 리듬을 따르시는지요?

A: 작업을 시작할 때부터 계획이나 완성된 이미지를 정해두지 않습니다. 오히려 재료와 손끝이 만나면서 생기는 감각과 순간의 직관을 더 중요하게 생각해요. 손의 움직임과 재료의 반응이 만들어내는 리듬을 따라가다 보면 자연스럽게 형태가 생겨납니다.

작업하는 동안에는 그 흐름이 끊기지 않도록 집중하며, 스스로 어떤 틀에 가두지 않으려 합니다. 재료를 만지고, 구부리고, 남은 자투리를 이어 붙이는 과정에서 예상치 못한 조형이 나타날 때 오히려 더 저 다운 작업이 나온다고 느껴요. 저는 그 과정을 '형태를 발견하는 시간'이라고 생각합니다. 어쩌면 제 손끝의 리듬과 재료가 가진 고유의 성질이 서로 대화하며 형태를 결정짓는다고 할 수 있겠죠. 그래서 작업이 끝나는 순간까지도 형태가 어떻게 완성될지는 저 자신도 모를 때가 많습니다.

완성된 이후에도 형태는 고정된 것이 아니라, 사용하고, 시간이 지나며 또 다른 모습을 만들어내니까요. 그런 자연스러운 변화와 과정의 흔적이 담긴 작업물을 만들고 싶습니다.


Q: 이번 전시는 작고 섬세한 작품들이 모여 하나의 집합적 풍경을 구성하는 방식으로 구성되어 있습니다. 이러한 공간 구성은 어떤 의도를 담고 계셨나요?

A: 이번 전시<100 Monoliths>는 작은 조각들이 서로 어우러져 하나의 집합적인 풍경을 이루는 방식으로 기획했습니다. 저는 각각의 작품이 독립적인 개성을 가지면서도, 서로 자연스럽게 조화를 이루며 하나의 공간을 채워가는 모습을 좋아합니다.

서로 다른 크기와 형태의 오브제들이 나란히 놓였을 때 생기는 간격, 리듬, 그리고 질감과 형태의 조화가 마치 작은 마을이나 정원처럼 친근하고 다정한 공간감을 만들어냅니다. 이번 공간 구성은 제 작업이 지향하는 자연스러움과 비형식성을 그대로 반영하고 있어요. 계획 없이 놓인 듯하지만, 그 안에 자연스러운 흐름과 우연성이 살아 있는 풍경을 통해 관람자도 작품 사이를 거닐며 각자의 시선으로 이야기를 발견해가길 바랐습니다.


Q: ‘쓰임’이라는 말이 작가님의 작업에서 자주 언급되는데, 실제로 작품이 사용되기를 바라시나요? 아니면 쓰임은 상징적인 개념일까요?

A: 쓰임이라는 개념은 단순히 물건을 사용하는 행위만을 뜻하지 않습니다. 물론 제 작업이 누군가의 손에 쥐어지고, 일상의 한자리에 놓여 자연스럽게 사용되기를 바라기도 해요. 하지만 그보다 더 중요한 건, 그 물건이 한 사람의 시간과 기억 속에 머물며 함께하는 존재가 되는 것이에요.

어떤 이에게는 그것이 실제로 물건을 담는 바구니가 될 수도 있고, 또 다른 이에게는 조용히 바라보며 위안을 얻는 오브제가 될 수도 있겠죠. 저는 그 경계를 나누지 않고, 공예의 진짜 가치는 사람의 손길과 시간의 흔적 속에서 비로소 완성된다고 믿습니다. ‘쓰임’은 그래서 저에게 실제적이면서도 상징적인 의미를 함께 갖고 있습니다. 물건이 공간 안에 놓이고, 누군가와 마주하며, 자연스럽게 시간의 켜를 쌓아가는 과정 자체가 곧 공예가 가진 아름다움이며, 제가 작업을 통해 전하고 싶은 가치입니다.


Q: 최근에 작업과는 무관하지만 인상 깊게 본 것, 들은 것, 만진 것이 있으실까요?

A: 최근 반려견 코코와 산책을 하다가 막 피어난 새싹과 만개한 꽃들을 유심히 바라본 적이 있습니다. 매년 비슷한 풍경인데도, 그때마다 새롭고 경이로운 감정이 찾아옵니다. 특히 연둣빛 새순이 돋아나는 순간, 그 섬세한 결을 손끝으로 만지며 기억해두려 했습니다.

또 어느 날, 비바람에 흩날린 꽃잎이 물 위에 떠 있다가 시간이 지나며 색이 바래고, 물살에 따라 흐트러지는 모습을 보았습니다. 자연이 만들어내는 그런 변화의 풍경을 보면, 제가 작업에서 중요하게 생각하는 ‘시간의 흔적’과 ‘형태의 우연성’을 다시 떠올리게 됩니다. 이런 작은 순간들이 작업과 직접 연결되지는 않더라도, 언젠가 작업대 위에서 자연스러운 곡선이나 질감을 만들 때, 문득 손끝에 스며드는 것 같습니다.


Q: 2025년 두 개의 국제 수상을 통해 작업이 더 넓은 무대에서 공감을 얻었는데, 이 경험이 앞으로의 작업 방향에 어떤 영향을 주었거나, 혹은 주지 않았는지도 궁금합니다.

A:  사실 상이나 결과를 목표로 작업을 해본 적은 없어요. 그저 제가 좋아하는 감각, 손끝의 감촉, 재료가 주는 흐름에 따라 작업을 이어왔는데, 그 과정이 누군가에게 공감으로 전해졌다는 사실이 참 감사하게 느껴졌습니다.

이번 수상을 통해 작업을 바라보는 제 시선에도 약간의 여유와 거리감이 생긴 것 같아요. ‘내가 하고 있는 일이 누군가에게도 의미가 될 수 있구나’라는 것을 확인하면서, 더 욕심내지 않고, 여전히 제가 좋아하는 방식으로 묵묵히 이어가도 괜찮겠다는 용기를 얻었거든요. 하지만 그렇다고 해서 작업의 방향이 크게 달라지거나, 의도적으로 넓은 무대를 의식하게 되진 않을 것 같습니다, 제 자리에서 일상의 풍경과 손끝의 감각을 소중하게 지키면서 자연스러운 흐름 속에서 작업을 이어가려 해요. 결국 공예는 사람의 손에서 태어나고, 시간 속에서 살아가는 것이니까요.


Q: You’ve said that for you, the process is more important than planning. What kind of rhythm or intuition guides you as you shape each form?

A: I don’t begin my work with a fixed plan or a completed image in mind. What matters more to me is the sensation that arises from the interaction between my hands and the material. As I follow the rhythm created by that movement and the material’s response, the form begins to emerge organically.

Throughout the process, I try to stay focused so the flow isn’t interrupted. I also try not to confine myself within a rigid framework. Often, when I handle, bend, or join leftover fragments, unexpected forms appear—and those are the ones that feel most authentic to me. I think of this as “a time for discovering form.” In a way, it’s as if the rhythm of my hands and the inherent nature of the material are conversing and deciding the outcome together. That’s why, even until the very end, I often don’t know exactly how a piece will turn out.

Even after a piece is finished, I don’t see its form as fixed. Over time, through use, it changes again. I want to create works that carry traces of this natural transformation—works that bear the marks of process.


Q: This exhibition is composed of small, delicate sculptures that together form a collective landscape. What was your intention behind this spatial arrangement?

A: In <100 Monoliths>, I wanted to create a collective landscape made up of small individual pieces. I like when each work maintains its own character but still harmonizes naturally with others to fill a space together.

When objects of different sizes and shapes are placed side by side, the resulting gaps, rhythms, and interactions of texture and form can resemble a small village or a quiet garden. The spatial layout reflects my preference for naturalness and informality. It may look unplanned, but there’s an intuitive flow and element of chance present. I hope viewers will walk among the works, discovering their own narratives in the in-between spaces.


Q: You often talk about “use” in relation to your work. Do you hope that your pieces are actually used, or is “use” more of a symbolic idea for you?

A: The idea of use goes beyond the simple act of using an object. Of course, I do hope my pieces find their way into someone’s hands or into everyday life, used naturally in daily routines. But more important is that the object becomes something that stays with a person—something that lives within their time and memory.

For one person, it might function as a vessel; for another, it might be something that quietly brings comfort just by being there. I don’t separate those functions. I believe the true value of craft is only realized through human touch and the traces of time. So for me, “use” holds both literal and symbolic meaning. When an object enters a space, meets someone, and quietly accumulates time, that process itself is what makes craft beautiful—and it’s what I hope to convey through my work.


Q: Is there anything you’ve seen, heard, or touched recently—outside of your work—that left a strong impression on you?

A: Recently, while walking my dog Coco, I found myself looking closely at the fresh sprouts and blooming flowers. It’s a scene I see every year, but each time it feels new and awe-inspiring. Especially the tender green shoots—I tried to memorize their texture with my fingertips.

Another time, I saw flower petals scattered by wind and rain, floating on water. As time passed, their colors faded, and they slowly drifted apart with the current. When I see these natural changes, I’m reminded of the “traces of time” and “chance in form” that I value in my work. Even if these moments don’t directly appear in what I make, they often return to me later—when I’m shaping a curve or a surface, I feel them quietly resurfacing through my hands.


Q: You recently received two major international awards in 2025. Has this recognition influenced your direction moving forward—or perhaps not at all?

A: Honestly, I’ve never created with awards or outcomes in mind. I’ve always just followed the sensations I love—the texture beneath my fingertips, the flow of the material. To know that this process has resonated with someone else is something I feel deeply grateful for.

The recognition has given me a bit of perspective and space. It reassured me that what I’m doing can carry meaning for others, and in that sense, I’ve found a quiet confidence. It’s allowed me to continue working in my own way, without pressure or pretense. That said, I don’t think it will change the direction of my work or make me more conscious of the stage I’m on. I still want to stay close to everyday scenes, the feel of material in my hands, and the quiet flow of my process. After all, craft is born from the hand—and it lives through time.




Artist

류연희 Yeunhee Ryu 柳延熹 (b.1962)

류연희는 금속을 기반으로 형태, 구조, 시간성에 대한 조형적 탐구를 이어오고 있는 작가다. 작고 정제된 스케일 속에서 밀도 높은 구조와 상징성을 구축하며, 개별성과 집합성을 넘나드는 작업을 전개한다. 최근 국제 공모에서 연이어 수상하며 조형 언어의 확장 가능성을 인정받고 있다.

Ryu Yeunhee is an artist who explores form, structure, and temporality through the medium of metal. Her work builds symbolic and structural density within a refined, small scale, navigating between individuality and collectivity. She has recently gained international recognition, receiving multiple awards for the expanding scope of her sculptural language.

Education

한양대학교 디자인대학원 금속디자인 박사
일본 동경예술대학 대학원 미술연구과 공예과 졸업 (단금전공)
일본 동경예술대학 대학원 미술연구과 미술교육과 수료
숙명여자대학교 미술대학 공예과 및 대학원 졸업

Exhibition

- Solo

2024
류연희 개인전 “기물”, LKATE GALLERY
Ryu Yeunhee Solo Exhibition, PGB hanmam
2023
白百 Ryu yeunhee solo exhibition, Art Space GAM
2022
Ryu yeunhee solo exhibition, gallery MARUNI, AKIYA, JAPAN
2021
Ryu yeunhee solo exhibition, gallery MARUNI, KOEBE, JAPAN
2018
DOQ 3 류연희 100, GALLERY DOQUMENT

외 다수

-Group

2025
제21회 독일 실버트렌날레, Ebbe- Weiss- Weingart prize , 하나우, 독일
LOEWE 재단 크래프트 프라이즈 파이널리스트 전시 – 마드리드, 스페인
2024
상아詳雅함 2인전 누크갤러리, 서울, 한국
2023
디자인페어 유블로 코엑스, 서울, 한국
2022
고려味려 추상하는 감각, 아름지기, 서울, 한국
다도구를 위한 도구, 산수화, 서울, 한국
공예가의 자급자족, 다다손손, 서울, 한국
2021
2021 서울리빙디자인페어x윤현상재 일상의위요감, 코엑스, 서울, 한국
한국공예관 개관 20주년 기념전, 청주한국공예관, 청주, 한국
夜霧/ gallery maruni, TOKYO, KOEBE, JAPAN
Beside with .Gallery L.993. 윤현상재 Space B-E, 서울, 한국
디자인사강212121, 모이소갤러리, 서울, 한국
2020
To Silver 2인전, choeunsook art & lifestyle gallery, 한국
감각을 깨우는 물, 차(茶), 갤러리로얄, 한국

외 다수






◻︎ Artist: 류연희 Yeunhee Ryu @smithryu
◻︎ Photography : 박성재 Sungjae Park
◻︎ Technician: 정유빈 Yubin Jung
◻︎ Graphic Design: 모닥불 Modakbool
◻︎ Text: 김채송 Chaesong Kim_pokettales director/ 류연희 Yeunhee Ryu
◻︎ Q&A: 김채송 Chaesong Kim/ 류연희 Yeunhee Ryu

© 2025. RYU YEUNHEE. All rights reserved.

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