Camille Biddell - Patterned Impressions

Camille Biddell | Patterned Impressions

Patterned Impressions

기억은 무늬가 되고, 무늬는 형태가 된다.

우리는 사물을 얼마나 오래 바라본 적이 있을까.

손에 쥐고 사용해온 그릇, 벽을 채운 무늬, 거리의 금속 장식과 벽돌의 결—익숙하다고 믿어온 것들 속에는 생각보다 많은 시간과 기억이 층층이 쌓여 있다. 《Patterned Impressions》는 그 층위를 더듬는 전시다.

글래스고를 기반으로 활동하는 세라믹 아티스트 Camille Biddell은 도자기의 역사적 형식에서 출발하지만, 그것을 그대로 재현하지 않는다. 박물관과 책 속에서 발견한 은식기, 본차이나, 그리고 프랑스와 영국의 슬립웨어 전통은 작업의 단서가 된다. 그러나 완성된 형태는 과거의 복원이 아니라, 작가의 직관과 손의 감각을 통해 현재로 다시 번역된 결과물이다.

이 전시에서 ‘패턴’은 단순한 장식이 아니다.
그녀가 수집한 질감은 펍의 엠보싱 벽지, 도시의 난간과 벽돌, 녹슨 금속 구조물처럼 구체적인 장소에서 비롯된다. 그것들은 점토 위에 눌리고, 찍히고, 흘러내리며 추상화된다. 보는 이에 따라 무늬는 장식으로 읽히기도, 기억의 잔상으로 다가오기도 한다. 하나의 표면은 시각적 리듬이자 장소의 기록이며, 손으로 남긴 인상(impression)의 결과다.

작품의 주된 재료는 테라코타와 컬러 슬립이다.
붉은 점토가 지닌 따뜻함 위로 겹쳐지는 색은 전통적인 슬립웨어를 떠올리게 하면서도, 보다 대담하고 유희적인 조합으로 확장된다. 유약의 광택보다 직접적인 질감과 색의 밀도를 택하는 방식은 그녀의 작업을 더욱 즉각적이고 생동감 있게 만든다. 물성은 곧 드로잉의 도구가 되고, 그릇은 하나의 평면처럼 다뤄진다.

Camille의 작품은 분명 기능을 지닌다. 모두가 ‘사용 가능한’ 을 전제로 한다. 그러나 동시에 그것들은 공간 안에서 하나의 조형적 제안으로 존재한다. 실용과 장식의 경계를 유연하게 넘나들며, 사소한 일상의 순간을 조금 다르게 바라보도록 유도한다.

Pokettales는 이번 전시를 통해 전통과 동시대성, 기억과 장식, 기능과 조형 사이의 긴장을 한 장면 안에 담고자 했다. 서로 다른 시간의 결이 포개지는 이곳에서, 그녀의 도자기는 또 하나의 표면을 만든다. 무늬는 장식에 머물지 않고, 손의 흔적은 기억으로 남는다. 그 사이에서 우리는 익숙한 사물을 다시 읽는 법을 배우게 된다.

무늬는 남고, 인상은 축적된다.
그리고 우리는 그 사이에서, 익숙한 사물을 다시 처음처럼 바라본다.

슬립은 점토에 물을 섞어 만든 액체 상태의 흙이다. 단순히 색을 입히는 재료가 아니라, 그 위에 선을 긋고, 문양을 찍고, 표면을 만들어내는 드로잉 도구이기도 하다.

Patterned Impressions

Memory becomes pattern, and pattern becomes form.

How long do we truly look at the objects around us?

The vessels we hold and use, the patterns that cover our walls, the metal railings and brick textures lining the streets—within these familiar forms lie layers of time and memory, quietly accumulated. Patterned Impressions traces those layers.

Camille Biddell, a ceramic artist based in Glasgow, begins with historical forms of ceramics but does not seek to replicate them faithfully. Ornate silverware, bone china, and the slipware traditions of France and the UK—encountered in museums and books—serve as points of departure. Yet the finished works are not restorations of the past; they are translations into the present, shaped by the artist’s intuition and the rhythm of her hand.

In this exhibition, “pattern” is not merely decorative.
The textures she gathers originate in specific places: embossed pub wallpapers, urban railings and brickwork, weathered metal structures. Pressed, stamped, and poured onto clay, they become abstracted. To some viewers, these patterns may appear ornamental; to others, they evoke traces of memory. Each surface functions as both a visual rhythm and a record of place—an impression left by the hand.

Terracotta and coloured slip form the core of her material language.
The warmth of red clay beneath layered colour recalls traditional slipware, while extending it through bolder and more playful combinations. By favouring direct texture and saturated colour over glossy glaze, her work retains immediacy and vitality. Material becomes a drawing tool; the vessel is treated almost as a plane.

Camille’s works are undeniably functional. Each is made to be used. Yet they also exist as sculptural propositions within space. Moving fluidly between utility and ornament, they invite us to reconsider the ordinary gestures of daily life.

Through this exhibition, Pokettales brings into view the tension between tradition and contemporality, memory and decoration, function and form. In a place where multiple temporal layers overlap, her ceramics generate yet another surface. Pattern does not remain ornament; the trace of the hand lingers as memory. In that space between, we begin to read familiar objects anew.

Patterns remain. Impressions accumulate.
And somewhere in between, the familiar becomes momentarily new again.

Artist’s Statement

Form

나는 도자 제작의 역사에 깊이 매료되어 있다. 박물관이나 책에서 본 오브제들은 새로운 작업의 출발점이 된다. 그것이 본차이나이든, 주석이든, 가죽으로 만들어진 것이든 상관없이, 형태는 언제나 나를 자극한다. 프랑스와 영국이라는 두 문화적 배경을 바탕으로 이러한 형식들을 다시 해석하며, ‘전통’이라는 개념을 현재의 시점에서 재고한다. 나의 작업은 하나의 드로잉처럼 느껴지기를 바라며, 각각은 고유한 존재로 남기를 원한다.

Texture

2022년부터 2024년까지, 영국 도자의 중심지인 스토크온트렌트의 Clay College에서 공부한 시간은 매우 밀도 높은 경험이었다. 나는 일상적인 주변 환경에서 영감을 얻어, 그 질감들을 그릇의 표면으로 옮겼다. 녹슨 골함석 창고, 펍의 엠보싱 처리된 광택 벽지, 도시 곳곳의 장식적 금속 구조물, 가마 벽돌과 맨홀 커버까지. 이러한 표면을 석고판에 캐스팅하고, 문양은 스탬프로 새겨 넣었다. 오브제로 변환되고 스케일이 조정되는 과정 속에서, 이 질감들은 점차 추상화된다.

Colour

테라코타와 슬립은 내 작업의 근간을 이루는 재료로, 영국과 프랑스에서 깊은 전통을 지닌 매체이다. 나는 전통적인 슬립웨어를 보다 유희적인 색감으로 재해석하며, 다소 비전형적인 형태에 적용한다. 나의 팔레트는 수많은 테스트와 개인적 미감의 축적을 통해 형성되었다. 젖은 슬립을 몰드 위에 직접 적용하고, 점토 판으로 프린트하는 방식은 작업에 즉흥성과 속도감을 부여한다. 나는 그 에너지가 완성된 작품 안에도 남아 있기를 바란다.

Form

I am fascinated by the history of ceramic production. Objects seen in museums and books become departure points, whether made from bone China, pewter or leather. I reinterpret these forms, drawing from both my French and English background to reconsider ‘tradition’. I want my pieces to feel like drawings, each one is unique.

Texture

Studying at Clay College from 2022-24 in Stoke-on-Trent, the epicentre of British ceramics, was an incredibly fruitful time. I took inspiration from my everyday surroundings, translating the textures onto the surfaces of my pots - rusted corrugated tin sheds, embossed glossy wallpaper in pubs, decorative metal-work from around the city, kiln bricks and manhole covers. I cast these onto plaster slabs and carved motifs into stamps. Through their transformation into objects and playing with scale these textures become abstracted.

Colour

Terracotta and slip are at the root of my work, materials with a rich heritage in the UK and France. I reimagine traditional slipware through a playful approach to colour, applied to less conventional forms. My palette is the result of much testing and my aesthetic sensibilities. Applying wet slip directly onto moulds and printing with clay slabs allows me to work quickly and spontaneously, an energy I want the work to retain.

Q&A with Camille Biddell 카밀 비델

Q: 당신의 작업에서 ‘form’은 어디에서 시작되나요? 역사적 오브제에서 출발하는지, 아니면 감각적 직관에서 먼저 나오나요?

A: 내 작업의 형태는 분명히 역사적 오브제들에 뿌리를 두고 있다. 새로운 작업을 시작할 때 나는 박물관을 방문하거나 책을 들춰보며 출발점을 찾는다. 특히 산업혁명 초기의 오브제들, 그중에서도 아직 손의 흔적이 남아 있는 듯한 작품들에 강하게 끌린다. 장식적인 은식기나 본차이나처럼 독특한 물건들을 마주할 때면 흥미가 생기고, 그것이 훗날 하나의 형태로 발전하기도 한다. 다른 나라의 도자 전통 역시 나에게 중요한 출발점이 된다. 나는 프랑스 혈통을 가지고 있고, 프랑스 도자기는 내 작업에 큰 영향을 주었다. 지난해에는 프로방스에서 Jean-Nicolas Gerard와 일주일을 보내며 19세기 포르트-퀼뢰르(porte-cuillères, 스푼 홀더)를 살펴보았고, 그 경험을 바탕으로 만든 나만의 버전 두 점이 이번 전시에 포함되어 있다. 나는 이러한 오브제들을 나만의 제작 방식으로 재해석하는 과정을 즐긴다. 나는 정밀한 엔지니어는 아니기 때문에, 형태가 완성되어 가는 과정에는 여전히 직관이 중요한 역할을 한다.

Q: 당신에게 ‘pattern’은 장식인가요, 구조인가요, 기억인가요?

A: 나에게 패턴은 기억과 장식이 뒤섞인 것이다. 내가 사용하는 모든 질감은 실제 삶에서 수집된 것이며, 특정한 장소와 연결되어 있다. 어떤 관람자에게는 이 패턴들이 단순히 장식적으로 보일 수 있지만, 또 다른 이들에게는 향수를 불러일으킬지도 모른다. 많은 표면은 펍의 벽에서 흔히 볼 수 있는 엠보싱 벽지에서 비롯되었다. 슬립 트레일링으로 그려 넣는 문양 역시 장소에서 영감을 얻는다. 주로 금속 난간, 장식 디테일, 벽돌 구조와 같은 도시의 공공적 요소들이 그 출발점이 된다.

Q: 전통을 재해석한다고 했는데, ‘tradition’을 어떻게 정의하나요?

A: 나에게 ‘전통’이란 하나의 기술적 계보 안에서 작업하는 것을 의미한다. 과거를 인정하고, 존중하며, 이해하는 동시에 그것을 현재의 시점에서 다시 해석하는 일이다. 전통은 우리가 속한 문화와, 우리 자신 그리고 우리가 만드는 오브제가 어디에서 비롯되었는지를 이해하게 해준다. 이는 특히 도자에서 더욱 분명하다. 도자기는 우리의 일상에 깊숙이 스며든 매체이며, 하나의 그릇은 우리가 과거에 어떻게 살아왔는지를 많은 부분 말해준다. 영국에는 공예와 산업 양쪽 모두에서 풍부한 도자 역사가 있다. 하지만 나는 미국 도자에도 큰 애정을 가지고 있다. 미국은 보다 덜 고착된 공예 전통을 지니고 있기 때문에, 동시대 미국 도예가들의 작업은 대담하고 실험적이며 자유롭게 느껴진다. 나는 이전의 형식을 그대로 반복하기보다는, 그 안에서 위험을 감수하며 나만의 목소리를 찾고자 한다. 전통은 즐길 수 있어야 한다고 생각한다.

Q: 테라코타와 슬립을 계속 사용하는 이유는 무엇인가요?

A: Clay College Stoke에서 학생으로 공부하던 시절, 우리는 전공을 정하기 전에 각 점토를 18개월씩 다뤄보는 시간을 가졌다. 그중에서도 나에게 가장 큰 영향을 준 것은 테라코타였다. 나는 그것이 ‘그 장소의 흙’이라는 점이 좋았다. 스토크온트렌트는 스태퍼드셔 슬립웨어와 토착 붉은 점토로 유명한 지역이기 때문이다. 최근 영국에서는 뛰어난 도예가들을 중심으로 전통적인 슬립웨어가 다시 주목받고 있으며, 그 흐름의 일부가 된다는 것은 특별한 일이다. 나는 소위 ‘유약 마니아’는 아니다. 오히려 슬립으로 작업하는 직접성이 좋다. 볼 클레이에 안료를 테스트하며 모든 색을 직접 만들어내는데, 그 아래의 테라코타가 색에 따뜻함을 더해준다. 슬립은 무한한 가능성을 지닌 재료이며, 나는 그것을 다양한 방식으로 사용한다. 슬립은 단순한 색이 아니다. 그것은 내가 그릴 수 있고 프린트할 수 있는 물질이다. 점도의 변화만으로도 전혀 다른 결과가 만들어진다. 여전히 탐구하고 싶은 영역이 많다.

Q: 이번 전시에서 형태, 패턴, 색 중 특히 강조하고 싶은 작업의 측면은 무엇인가요?

A: 어려운 질문이다. 훈련받은 도예가로서 나에게 형태는 매우 중요하다. 가장 먼저 눈에 들어오는 요소이며, 때로는 하나의 그릇을 살아 움직이게 만드는 힘이 된다. 사람들은 대개 색에 즉각적으로 반응한다. 색은 가장 강한 첫인상을 남긴다. 패턴, 특히 질감이 있는 표면은 보다 미묘하지만, 한 번 인식되면 더 이상 보이지 않을 수 없는 요소다. 아마도 이 작업을 나만의 것으로 만드는 것은 이 세 요소가 어떻게 함께 어우러지느냐에 달려 있을 것이다. 사람마다 보고, 느끼고, 중요하게 여기는 지점은 모두 다르다.

Q: 이를테면 사용 가능한 오브제, 조각, 드로잉과 같이 관람자가 작품을 어떻게 바라보길 바라나요?

A: 내가 만드는 모든 작업은 기능을 지닌다. 모두 그릇이며, 사람들이 실제로 사용하는 모습을 보는 것을 나는 무척 좋아한다. 동시에 이 작업들은 조형적 오브제로서의 가치도 지닌다고 생각한다. 분명히 전시되어 보여지도록 디자인된 것들이다. 사용되든, 혹은 단지 바라보이든, 이 오브제들이 우리가 조금은 다르게 살아가도 괜찮다는 사실을 은은하게 상기시켜 주기를 바란다.

Q: 한국에서 첫 개인전입니다. Pokettales에 방문하시는 내방객분들과 꼭 나누고 싶으신 메시지나 이야기가 있을까요?

A: 이번 전시를 준비하는 과정은 정말 설레는 경험이었고, Pokettales와 함께 이 공간 안에서 무엇이 잘 어울릴지 고민하는 협업의 시간이 큰 기쁨이었다. 새로운 관객을 위해 몇 가지 새로운 아이디어를 시도하고, 작업을 다른 방향으로 발전시켜 볼 수 있었던 기회도 무척 소중했다. 이 전시가 여러분에게 울림으로 전해지길 바라며, 제 그릇들을 즐겨주셨으면 좋겠다. 한국을 처음 방문한 경험은 정말 놀라웠다. 많은 것을 보고 느꼈고, 현대적인 모습과 전통을 향한 깊은 존중이 공존하는 이 나라의 분위기에서 큰 영감을 받았다. 이 경험은 오래도록 기억에 남을 것 같고, 스튜디오로 돌아가 많은 창작의 영감을 가져갈 수 있을 것 같다. 진심으로 감사드린다.

Q: Where does “form” begin in your practice? Does it originate from historical objects, or from a more intuitive, sensory response?

A: The forms in my work are definitely rooted in historical objects. Visiting museums and looking in books provides starting points for me when making new work. I am particularly drawn to objects from the start of the Industrial Revolution, especially those that still feel a bit handmade. Seeing unusual pieces, such as ornate silverware or bone china, sparks an interest which might develop into a form later on. Pottery traditions in other countries can also be starting points: I am half French and have found French ceramics very influential. Last year I spent a week with Jean-Nicolas Gerard in Provence where I looked at 19th century porte-cuilleurs - two of my own versions are in the exhibition. I love to play with reimagining these objects using my own way of making. I’m not a meticulous engineer, so intuition still plays a big part in how my forms come together.

Q: For you, is “pattern” decoration, structure, or memory?

A: Pattern to me is a mixture of memory and decoration. All my textures are gathered from real life, and are linked to certain places. To some viewers, the patterns might seem purely decorative, but to others they might evoke nostalgic feelings - many of the surfaces come from embossed wallpapers often found on pub walls. The motifs in my slip trailing take inspiration from place, usually civic details such as metal railings, ornamentation and brickwork.

Q: You often speak about reinterpreting tradition, how do you personally define “tradition”?

A: To me ‘tradition’ means working within a lineage of skills, acknowledging, respecting and understanding our past whilst reinterpreting it for the present moment. Tradition helps us understand our culture and where we and our objects come from. This is especially true of ceramics, which are so intrinsic to our everyday lives - pots tell us a lot about how we used to live.

In the UK, we have a rich history of ceramics, both within craft and industry. That said, I’m a big fan of ceramics from the USA, which has a much less entrenched craft tradition. A lot of work coming from contemporary American potters feels bold, experimental and free! I try to take risks within my work to find my own voice, rather than strictly replicating what has been done before. It’s important to have fun with tradition!

Q: Why do you continue to return to terracotta and slip as primary materials?

A: When I was a student at Clay College Stoke, we spent 18 months working with each clay body before specialising. Terracotta had the biggest impact on me. I loved that it was of the place - Stoke-on-Trent is famous for Staffordshire slipware and native red clay. There has been a big revival of traditional slipware in the UK led by some amazing potters. It is special to be a part of that.

I am not really a glaze nerd and enjoy the directness of working with slip. I create all the colours from testing ball clays with stains, which the terracotta underneath brings a warmth to. Slip has endless possibilities and I use it many ways in my work. Slip is more than just colour. It’s a material I can draw and print with. Changing its viscosity alone can create such varied results - there is still so much I want to explore!

Q: In this exhibition, what aspect of your work do you most want to emphasise; form, pattern, or colour?

A: That’s a tricky one! As a trained potter, form is very important to me - it’s the first thing I notice and can really make a pot sing. People often have an immediate reaction to colour - it makes the strongest first impression. Pattern, particularly the textured surfaces, is more subtle, but once noticed it can’t be unseen. I guess what makes the body of work my own is how these three elements come together. Everyone sees and appreciates different aspects.

Q: How do you hope viewers approach your pieces; as functional objects, sculptures, or drawings in space?

A: Everything I make is functional, they are all vessels and I love to see people using them! I think they also have value as sculptural objects which are definitely designed to be on display. Whether they are being used or observed I hope they act as a subtle reminder that it’s okay to do things a little bit differently…

Q: Since this marks your first solo exhibition in Korea, is there something you would particularly like to share with those visiting Pokettales?

A: It’s been so exciting to prepare for this exhibition, and a joy to collaborate with Pokettales to think about what will work well within this context. I loved the opportunity to try out some new ideas and develop pieces in different directions for a new audience - I really hope it resonates and you enjoy the pots.

Visiting Korea for the first time has been amazing. I’ve seen so much, it’s been inspiring to experience both the modernity of the country alongside its reverence for tradition. It has left a lasting impression on me and I’m excited to take lots of creative inspiration back home to my studio - so thank you!

Artist

카밀 비델 Camille Biddell (b.1993)

Camille Biddell은 스코틀랜드 글래스고를 기반으로 활동하는 아티스트이자 도예가이다. 그녀는 핸드빌딩과 물레 성형을 결합해 동시대 슬립웨어 작업을 선보이며, 테라코타와 컬러 슬립을 통해 금속공예와 도자의 역사적 형식을 새롭게 재해석한다. 영국 도자 산업의 중심지인 스토크온트렌트에서 보낸 2년간의 수학은 그녀의 작업에 중요한 전환점이 되었다. 이곳에서 그녀는 스튜디오 도자에서 산업 생산에 이르는 도자 유산 전반에 대한 관심을 발전시켰다. Camille은 주변 환경에서 수집한 질감과 모티프를 표면에 새겨 넣으며, 기능과 장식의 경계를 유희적으로 넘나드는 오브제를 제작한다.

그녀는 워크숍을 통해 이러한 주제와 기법을 확장해왔으며, 영국 전역의 다양한 예술 기관과 협업해왔다. 최근 전시로는 A Moment in Time (Van Gogh House London), HOUSE (County Hall Pottery), FRESH (BCB), HARVEST (Craft Scotland), Creatures (8 Holland Street), Annual Graduate Showcase (Bevere Gallery) 등이 있다. 그녀는 2025–26 Churchill Scholar로 선정되었다.

Camille is an artist and potter working in Glasgow, Scotland. She makes contemporary slipware, combining hand-building with throwing to create unique pieces that reimagine historic forms from metalwork and ceramics through terracotta and coloured slip. She spent two formative years as a student in Stoke-on-Trent, the heart of the UK's pottery industry, where she developed her interest in the heritage of ceramics, from studio pottery to industrial production. She makes objects that playfully straddle function and decoration, embossed with found textures and motifs from her surroundings.

Camille explores these themes and techniques through delivering workshops and has worked in partnership with arts organisations across the UK. Recent exhibitions include A Moment in Time, Van Gogh House London; HOUSE, County Hall Pottery; FRESH, BCB; HARVEST, Craft Scotland; Creatures, 8 Holland Street; Annual Graduate Showcase, Bevere Gallery. She is a 2025-26 Churchill Scholar.

cv
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◻︎ Artist:

카밀 비델 Camille Biddell @cambiddell

◻︎ Photography :

박성재 Sungjae Park

◻︎ Graphic Design:

모닥불 Modakbool

◻︎ Technician:

정유빈 Yubin Jung

◻︎ Text / Q&A :

김채송 Chaesong Kim_pokettales director
카밀 비델 Camille Biddell

Info Instagram

EP 5

2026 ++

EP 4

2025 ++

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2024 ++

EP 2

2023 ++

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2022 ++

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