SunwooJung - Soft Stasis

Sunwoo Jung | Soft Stasis

삐뚤어진 것들의 다정한 활기

멈춤은 언제나 공백이 아니다. 때로 그것은 방향을 바꾸기 직전의 숨고르기이며, 익숙한 손의 관성을 잠시 내려놓고 새로운 물성과 대면하는 시간이다. 《Soft Stasis》는 바로 그 정체(停滯)의 순간을 부드럽게 껴안으며, 거기서 피어난 조형적 언어를 선보인다.

2023년 첫 개인전 《I Was Blue, Now I'm Yellow》에서 정선우는 오십 점의 세라믹 고블렛을 통해 형태와 색의 해학적 변주를 펼쳤다. 유약의 화학적 우연성과 손으로 빚은 기우뚱한 균형은 대량생산 시대에 대한 조용한 반론이었다. 3년이 지난 지금, 작가는 흙 대신 천을 손에 쥐고 돌아왔다. 패브릭이라는 매체로의 전환은 단순한 재료의 교체가 아니라, 네덜란드에서 쌓아온 세라믹 문법을 낯선 땅의 물성 앞에서 다시 사유하게 된 필연적 결과다. 가볍고 유연한 직물은 무거운 점토가 허락하지 않았던 속도와 규모, 그리고 즉흥적 수정의 자유를 열어주었다.

이번 전시에서 포켓테일즈가 주목한 것은 작가가 일관되게 견지해 온 '훈련으로서의 만들기'라는 태도다. 정선우에게 습작은 미완의 단계가 아니라 그 자체로 하나의 완결된 실천이다. 매일 손을 움직이고, 손끝의 감각을 축적하며, 계획 없이 흘러나온 형태들을 시리즈로 중첩시킨다. 이 반복의 축적이 만들어내는 것은 완벽한 하나의 걸작이 아니라, 삐뚤고 기우뚱한 사물들이 모여 이루는 고유한 분위기다. 더치 디자인이 말하는 'Thinking through Making’ 제작을 통한 사유의 정신이 여기서 고스란히 실현된다.

전시장에 놓인 시계, 의자, 조명은 기능적 사물의 외피를 빌렸으되 실용성의 명령에서는 벗어나 있다. 누빔은 구조적 강도를 위해 필수적이지만, 작가는 일정한 간격의 직선 대신 자유로운 손 드로잉의 궤적을 선택한다. 장식과 기능의 경계가 흐려지고, 사물은 어느 범주에도 온전히 속하지 않은 채 그 사이의 지대에 가만히 서 있다. 우리가 이 조각들 앞에서 감각하게 되는 것은 바로 그 모호함의 관대함이다.

불완전함이란 결국 손이라는 가장 인간적인 도구가 남긴 표식이다. 공장의 컨베이어 벨트 위에서는 결코 생성될 수 없는 떨림, 기울어짐, 울퉁불퉁한 윤곽. 정선우는 이를 '노이즈'라 부르며, 이 노이즈야말로 사물에 캐릭터와 생명력을 부여한다고 말한다. 포켓테일즈는 이 전시를 통해 매끈함만을 미덕으로 삼는 세계에 조용한 균열을 내고자 한다. 어딘가 조금 삐뚤어진 존재가 불량품으로 배척되지 않고 방 한구석에 의연히 자리 잡는 풍경, 그 너그러운 공기를 이곳에 불러오고 싶었다.

부드러운 정체의 시간 속에서 태어난 이 조각들이, 마찬가지로 불완전한 우리에게 작은 위안이 되기를 바란다.

The Gentle Vitality of Things Slightly Askew

Stillness is not always an empty pause. At times, it is a breath taken just before changing direction; a moment in which the habitual movements of the hand are set aside, allowing the artist to encounter a new materiality. Soft Stasis gently embraces this moment of suspension and presents the sculptural language that emerges from within it.

In her first solo exhibition at Pokettales in 2023, 《I Was Blue, Now I'm Yellow》, Sunwoo Jung presented fifty ceramic goblets, unfolding a playful variation of form and colour. The chemical unpredictability of glaze and the slightly tilted balance of hand-built forms offered a quiet counterpoint to the age of mass production. Three years later, the artist returns not with clay, but with fabric in her hands. This shift into fabric is not simply a change of material, but a necessary outcome of rethinking the ceramic language she has developed in the Netherlands through the unfamiliar materiality of cloth. Light and flexible, fabric opens up a sense of speed, scale, and spontaneous revision that heavy clay could not easily allow.

What Pokettales pays particular attention to in this exhibition is the artist’s consistent attitude toward making as a form of practice. For Jung, a study is not an incomplete stage before the final work, but a complete act in itself. She moves her hands every day, accumulates tactile memory, and layers forms that emerge without rigid planning into a series. What this accumulation of repetition creates is not a single flawless masterpiece, but a distinctive atmosphere formed by objects that are crooked, tilted, and slightly off-balance. Here, the spirit of “Thinking through Making” — the idea of thinking through the act of making — is vividly realised.

The clocks, chairs, and lamps placed throughout the exhibition borrow the outer appearance of functional objects, yet they are released from the command of practical use. Quilting is necessary to provide structural strength, but instead of regular, evenly spaced lines, the artist chooses the freer movement of hand-drawn stitching. The boundary between decoration and function begins to blur, and the objects quietly stand in an in-between space, belonging fully to no single category. What we sense before these sculptures is the generosity of such ambiguity.

Imperfection is, in the end, a trace left by the hand — that most human of tools. Tremors, tilts, uneven contours: marks that could never be produced on a factory conveyor belt. Jung refers to these as “noise”, and it is precisely this noise that gives her objects character and vitality. Through this exhibition, Pokettales hopes to make a quiet crack in a world that treats smoothness as its highest virtue. We wanted to summon into this space a generous atmosphere in which something slightly crooked is not rejected as defective, but stands with quiet dignity in the corner of a room.

May these sculptures, born from a time of soft stasis, offer a small comfort to us, who are likewise imperfect.

Artist’s Statement

불완전함의 연습과 놀이 (Practice and Play)

나에게 만들기 작업은 특정 목적을 달성하기 위한 수단이 아닌, 습작을 통해 손의 감각을 유지하고 새로운 표현 방식을 발견해 내는 훈련(Practice)이다. 그 훈련은 단 하나의 완벽한 작업(Masterpiece)을 만들어야 한다는 강박을 버리는 것에서부터 시작한다. 구상 단계에서 완벽한 결과물을 계획하며 고민하는 시간을 줄이고, 곧바로 손을 움직인다. 이는 제작 과정 속에서 사유하는 더치 디자인의 핵심 근간인 ‘Thinking through Making’의 실천이며, 내가 네덜란드에서 지난 8년간 작업해오며 가장 크게 배운 지점이기도 하다. 따라서 나는 고심 끝에 완성한 단 하나의 조각보다, 매일 꾸준히 마친 습작들이 쌓여 시리즈로서 어떠한 분위기가 만들어지는 것을 느껴보는 것에 더 흥미를 느낀다.

이러한 태도는 조형적 언어로 직결된다. 나는 작업 과정에서 의도적으로 형태적 제약을 부여한다. 정확한 대칭이나 딱 맞는 치수를 지양하고, 잘려 나가고 남은 종이나 천 조각의 우연한 비율을 활용해 기묘한 균형감(Odd ratio)을 만들어내는 방식이다. 그렇게 만들어진 사물들은 열려 있고, 흩어지거나 늘어트려져 있으며, 튀어나오고 기우뚱하다. 자동차 브랜드의 비전을 보여주는 ‘컨셉카’나 실용성을 넘어 장인 정신을 실험하는 ‘오트 쿠튀르(Haute Couture)’처럼, 나의 조각들 또한 일상적인 기능성과 실용성을 벗어나 있다.

최근 세라믹에서 패브릭으로 매체를 확장한 것은 그간 세라믹을 다루며 마주했던 물리적 제약들을 기분 좋게 허물어주었다. 패브릭의 얇고 가벼운 물성은 손의 움직임을 더 크고 빠르게 만들어주며, 한층 더 즉흥적인 놀이로서의 작업을 가능하게 한다. 나에게 재료는 머릿속에 둥둥 떠다니는 이미지들을 가장 자유로운 방식으로 현실 공간에 꺼내기 위한 수단일 뿐이다. 상황에 따라 패브릭이나 세라믹이 더 적합할 뿐, 하나의 고정된 매체 안에 스스로를 제한하고 싶지는 않다.

이번 패브릭 작업에서는 기능적 필요에 의해 요구되는 요소를 오히려 장식적으로 풀어내는 실험을 해보았다. 예를 들어, 얇고 유약한 천에 힘을 싣기 위해 ‘누빔(자수)’ 기법은 필수적이다. 시계의 앞판이나 의자의 좌판, 다리처럼 구조적 강도가 필요한 부분에 누빔을 더하되, 기존의 일정한 간격을 가진 직선적 누빔 대신 자유로운 손 드로잉 누빔을 적용한다. 장식에도 기능적 당위성이 있어야 한다는 ‘데스틸(De Stijl)’과 ‘바우하우스(Bauhaus)’의 정신과 맥을 같이 하면서도, 나만의 표현주의적 방식으로 살짝 비틀어 보았다.

결국 내가 반복된 손의 훈련이 중첩된 작은 조각들을 통해 전달하고 싶은 메시지는 ‘불완전성’이다. 공장에서 대량생산된 기성품에서는 볼 수 없는 구불구불하고, 삐죽삐죽하고, 삐뚤어진 데가 있는 흠결들. 손이라는 가장 인간적인 도구에서 비롯되는 이 ‘노이즈(Noise)’들이 조각에 생명력을 준다. 어떠한 캐릭터를 가지며 살아있는 듯한 사물이 만들어진다. 매끈하게 정제된 세상 뒤편에서, 나는 여전히 삐뚤어진 것들이 주는 다정한 활기를 감각한다.

Practice and Play in Imperfection

For me, making is not a means to achieve a specific purpose, but a form of practice: a way of maintaining the sensitivity of the hand and discovering new modes of expression through studies. This practice begins with letting go of the pressure to create a single perfect masterpiece. Rather than spending a long time planning and worrying over a flawless outcome at the conceptual stage, I move my hands right away. This is an enactment of “Thinking through Making”, a fundamental principle in Dutch design in which thought unfolds through the process of making. It is also one of the most important lessons I have learned while working in the Netherlands over the past eight years. I am therefore more interested in sensing the atmosphere that emerges when daily completed studies accumulate as a series, rather than in producing a single piece perfected after prolonged deliberation.

This attitude is directly connected to my sculptural language. In the making process, I intentionally set formal constraints for myself. I avoid exact symmetry or perfectly measured dimensions, instead using the accidental proportions of leftover pieces of paper or fabric to create an odd sense of balance. The objects that result from this process are open, scattered, drooping, protruding, and slightly tilted. Like a concept car that presents the vision of an automobile brand, or haute couture that experiments with craftsmanship beyond practical wearability, my sculptures also move away from everyday function and practical use.

Recently, expanding my practice from ceramics into fabric has pleasantly loosened the physical limitations I had encountered while working with clay. The thin and lightweight materiality of fabric allows the movement of my hands to become larger and faster, making the process feel even more like an immediate form of play. For me, material is simply a means of bringing the images floating in my mind into physical space in the freest way possible. Depending on the situation, fabric or ceramics may be more suitable, but I do not wish to confine myself to one fixed medium.

In this body of fabric works, I experimented with transforming elements required by functional necessity into something decorative. For example, quilting and embroidery are essential in order to give strength to thin and delicate fabric. I add quilting to areas that require structural support, such as the face of a clock, the seat of a chair, or its legs. Yet instead of applying conventional straight quilting lines at regular intervals, I use freer, hand-drawn quilting. In this sense, the work shares an affinity with the spirit of De Stijl and Bauhaus, in which decoration must also have a functional justification, while gently twisting that idea through my own expressionistic approach.

Ultimately, the message I wish to convey through these small sculptures, layered with repeated exercises of the hand, is one of imperfection. Wavy, jagged, crooked irregularities — flaws that cannot be found in mass-produced objects from a factory. These “noises”, born from the hand as the most human of tools, give the sculptures vitality. They allow objects to emerge with their own character, as if they were alive. Behind a world polished smooth and refined, I continue to sense the gentle vitality of things slightly askew.

Q&A with Sunwoo Jung

Q: 2023년 포켓테일즈 첫 개인전에서는 세라믹 고블렛을 중심으로 ‘형태와 색의 변주’를 보여주셨습니다. 이번 두 번째 개인전에서는 패브릭 오브제로 매체가 확장되었는데, 두 전시 사이에서 작업의 태도나 관심사는 어떻게 이어지고, 또 어떻게 달라졌나요?

A: 첫 전시와 이번 전시의 공통점은 하나의 형식과 재료를 정해둔 채 형태와 색의 변주, 재료의 가능성을 실험한다는 점입니다. 매일 반복한 습작들을 모아 하나의 시리즈이자 그룹으로 보여주는 방식은 제 작업의 주된 형식입니다. 그런 의미에서 작업에 임하는 태도나 관심사는 변하지 않았습니다. 저는 여전히 손으로 만드는 행위 그 자체에 몰두해 있으며, 의자, 시계, 컵, 조명처럼 일상에서 가장 가까이 두고 쓰는 사물들을 작업의 대상으로 삼습니다.

매체가 세라믹에서 패브릭으로 확장된 배경에는 환경의 변화가 있었습니다. 지난 8년간 네덜란드를 기반으로 세라믹 작업을 이어오다 최근 한국에도 작은 작업실을 마련했습니다. 그런데 한국의 흙과 유약은 네덜란드에서 사용하던 재료와 성질이 꽤 달라 적응 기간이 필요했습니다. 도자 재료를 테스트하며 시행착오를 겪던 일종의 정체(Stasis) 기간 동안, 자연스럽게 숨을 고르며 주변을 다시 둘러보게 되었습니다. 그 과정에서 한국에서 보다 쉽고 폭넓게 구할 수 있는 패브릭이라는 물성에 눈길이 닿았습니다. 이번 전시의 제목이 《Soft Stasis》가 된 이유이기도 합니다.

Q: 암스테르담이 작가님에게 ‘완벽함보다 실행과 발견을 중시하는 태도’를 배울 수 있었던 장소로 언급되었습니다. 이후 한국과 암스테르담을 오가며 작업하는 지금, 두 도시 사이의 경험은 작가님의 만들기 방식이나 작업의 리듬에 어떤 변화를 만들고 있나요?

A: 네덜란드에서 공부하고 작업하며 얻은 가장 큰 배움은 사전 계획에 의존하지 않는 태도입니다. 머릿속에 있는 대상을 완벽하게 구현해 내는 방식에서 벗어나, 현재의 지식이나 구상으로는 예측할 수 없는 무언가를 발견하기 위해 스스로를 미지의 방향으로 밀어붙이는 법을 배웠고, 저의 코어(Core) 작업 태도가 되었습니다.

이러한 ‘Thinking through Making(제작을 통한 사유)’ 방식은 즉흥적이고 예측 불가능합니다. 정해진 목적지가 없기에 ‘잘해야 한다’는 강박에서 벗어날 수 있고, 작업을 자유로운 유희의 영역으로 이끌어줍니다. 한국과 암스테르담을 오가는 환경의 변화 속에서도, 이 작업 태도는 흔들림 없이 유지될 것입니다.

Q: 작가님은 이번 작업을 ‘Practice and Play’, 즉 훈련과 놀이로 설명하셨습니다. 여기서 말하는 ‘습작’은 미완성이나 준비 단계가 아니라 하나의 완성된 조형 태도처럼 느껴집니다. 작가님에게 반복적인 만들기와 습작은 어떤 의미인가요?

A: 저에게 습작이란 특별한 계획이 없는 날에도 작업실에 앉아 손을 움직일 때 자연스럽게 파생되어 나오는 일상의 결과물들입니다. 운동을 매일 꾸준히 하면 근육이 붙고 몸이 단단해지듯, 손을 매일 꾸준히 움직이면 촉각의 감각이 점진적으로 예민해집니다. 어느 순간 내 손의 힘이 길러졌고 감각이 선명해졌음을 깨닫는 순간이 옵니다. 다루기 까다롭던 형태를 어느 날 문득 자유롭게 구현해 내는 손의 숙련도를 경험할 때, 만드는 사람(Maker)으로서 깊은 몰입과 즐거움을 느낍니다.

또한, 손을 움직여 사유한다는 것은 매일 크고 작은 발견을 가능하게 만듭니다. 이 과정을 통해 나만의 독창적인 작업 방식과 기법들을 아무도 훔쳐갈 수 없는 나만의 '드래곤볼'처럼 하나씩 모으게 됩니다. 그 드래곤볼들이 잔뜩 든 주머니를 가지고 있을 때, 메이커로서 어떤 재료 앞에서도 두려움이 사라지는 단단한 상태가 됩니다. 따라서 반복적인 만들기와 습작은 저에게 이 기분 좋은 성장의 과정을 마음껏 즐기는 유희와 같습니다.

Q: 작가님은 공장에서 대량생산된 사물에서는 볼 수 없는 손의 흔적과 ‘노이즈’가 조각에 생명력을 준다고 말씀하셨습니다. 이번 전시에서 관객들이 작품의 어떤 불완전함을 감각해주기를 바라시나요?

A: 아주 어렸을 때부터 옷이나 신발, 필통 같은 일상용품들을 직접 만들어 쓰곤 했습니다. 기성품 중에는 마음에 드는 선택지가 없었기 때문입니다. 지금 돌아보면 공장에서 대량생산된 매끈하고 완벽한 대칭의 사물들에게서 어떤 온기도 느끼지 못했던 것 같습니다. 서툴더라도 사람의 손길이 닿아 삐뚤어지고 울퉁불퉁하게 튀어나온 흔적들에 본능적으로 애착이 갔습니다. 효율과 속도가 지배하는 대량생산 사물의 범람 속에서, 불완전한 흠결은 오히려 누군가의 정성 어린 시간과 손길이 머물다 간 귀한 표식으로 다가옵니다.

저는 우리가 매일 마주하는 일상적 사물에 영혼과 온기가 깃들어 있기를 바랍니다. 더불어, 완벽히 매끈하고 무결점한 상태만을 최고 가치로 여기는 사회에서, 어딘가 조금 부족하고 삐뚤어진 사물이 불량품으로 배척당하지 않고 방 한구석에 의연히 자리 잡는 모습을 원합니다. 불완전한 사물이 공간에 수용되는 과정 그 자체가, 마찬가지로 불완전한 존재인 우리 인간에게 고요한 위안을 줄 수 있다고 믿기 때문입니다. 결국 저는 사물에 감정과 성격을 투영하며, 제가 만드는 사물들 역시 저마다의 ‘캐릭터’를 획득하게 됩니다. 관객들이 이 전시 공간에서 불완전함의 아름다움을 발견하고, 그것이 너그러이 받아들여지는 편안한 공기를 감각해주기를 바랍니다.

Q: 세라믹은 흙과 유약, 소성이라는 물리적 제약이 강한 매체인 반면, 패브릭은 얇고 가볍고 유연한 물성을 가지고 있습니다. 이번 전시에서 패브릭이라는 매체는 작가님의 조형성과 제작 방식에 어떤 자유를 열어주었나요?

A: 세라믹은 여전히 저에게 가장 매력적인 매체입니다. 하지만 무거운 흙을 쌓아 올리고, 건조를 기다린 뒤, 가마에서 두 번의 소성 과정을 거쳐야 하는 도자의 프로세스는 긴 호흡과 물리적 제약을 동반합니다. 재료의 무게, 가마 크기에 따른 작품 규모의 제한, 완성까지 걸리는 시간, 파손의 위험 등이 그렇습니다.

반면 패브릭은 가볍고 유연하여 자르고 이어 붙이는 속도가 빠르며, 큰 스케일의 작업도 상대적으로 수월하게 소화할 수 있습니다. 특히 가죽의 단단함, 조명 갓으로 활용할 수 있는 천의 투과성, 올이 너덜너덜하게 풀리는 원단의 펑키한 질감 등 텍스타일에 따라 다양한 성격을 실험하는 재미가 컸습니다. 건조가 시작되면 형태 수정이 어려운 점토와 달리, 실을 뜯어내어 언제든 즉흥적으로 수정할 수 있다는 점도 해방감을 주었습니다. 누빔, 벨크로(찍찍이), 단추 등 의복 제작 메커니즘을 가져와 미니어처 의자, 시계, 조명이라는 가구의 문법과 기존의 제 도자 작업 방식에 대입해 보는 시도 자체가 조형적으로 매우 흥미로운 경험이었습니다.

Q: 이번 작업에는 시계, 의자, 조명처럼 기능적 사물을 연상시키는 요소들이 등장하지만, 실제로는 기능성과 실용성에서 벗어난 조각에 가깝게 느껴집니다. 작가님은 기능적 사물과 비기능적 조각 사이의 경계를 어떻게 바라보고 계신가요?

A: 기능적 사물과 비기능적 조각의 모호한 경계에 위치하는 것은 저의 오랜 고민이자, 동시에 제 작업의 정체성이기도 합니다. 순수 추상 조각의 관점에서 보면 제 작업은 꽤 기능적인 사물에 가깝지만, 상업 가구 디자인의 관점에서 보면 실용성을 잃어버린 조각에 불과합니다. 예전에는 이 애매한 지점에서 어느 한쪽으로 더 치우쳐야 하는지 고민하기도 했으나, 지금은 이 중간 지대에 존재하는 상태를 기꺼이 받아들입니다.

화이트큐브의 유리장 안에 갇혀 일상과 동떨어진 추상 조각도, 군더더기 없이 매끈하기만 한 공업 제품도 제가 지향하는 바는 아닙니다. 사물이 굳이 선명한 카테고리로 정의될 필요가 없다고도 생각합니다. 기성 제품이 되기를 거부한 채, 일상과 가장 밀접한 곳에서 온기와 영혼을 뿜어내는 사물. 저는 그 경계 어딘가에서 사물에 활기를 불어넣는 제작자(Maker)로 묵묵히 걸어가고자 합니다.

Q: In your first solo exhibition at Pokettales in 2023, you presented variations of form and colour through a series of ceramic goblets. In this second solo exhibition, your medium has expanded into fabric objects. How do your attitude and interests continue between the two exhibitions, and how have they changed?

A: What the first exhibition and this one have in common is that I set a particular format and material, and then experiment with variations of form and colour, as well as the possibilities of that material. Gathering daily studies and presenting them as a series or a group has always been one of the main structures of my practice. In that sense, my attitude toward making and my interests have not changed. I am still deeply absorbed in the act of making by hand, and I continue to take everyday objects — chairs, clocks, cups, and lamps — as the subjects of my work.

The expansion from ceramics into fabric came from a change in environment. For the past eight years, I had been based in the Netherlands, where I continued working with ceramics. Recently, I also set up a small studio in Korea. However, Korean clay and glaze have quite different properties from the materials I had been using in the Netherlands, and I needed time to adjust. During a kind of period of stasis, while testing ceramic materials and going through trial and error, I naturally found myself slowing down and looking around again. In that process, my attention turned to fabric — a material that is more readily and widely available in Korea. This is also why the exhibition is titled 《Soft Stasis》.

Q: Amsterdam has been a place where you learned to value action and discovery over perfection. Now that you are moving between Korea and Amsterdam, how have your experiences between the two cities changed your way of making or the rhythm of your practice?

A: The greatest lesson I learned while studying and working in the Netherlands was an attitude of not relying too heavily on prior planning. Rather than trying to perfectly realise an image already formed in my mind, I learned how to push myself toward the unknown in order to discover something that could not have been predicted through my existing knowledge or ideas. This has become the core attitude of my practice.

This way of “Thinking through Making” is spontaneous and unpredictable. Because there is no fixed destination, I can step away from the pressure to do things well, and this leads my work into a freer realm of play. Even as my environment changes between Korea and Amsterdam, I believe this attitude toward making will remain steady.

Q: You describe this body of work as “Practice and Play.” The “study” here does not seem like something unfinished or preparatory, but rather a complete sculptural attitude in itself. What does repetitive making and the act of study mean to you?

A: For me, studies are the everyday outcomes that naturally emerge when I sit in the studio and move my hands, even on days when I do not have a special plan. Just as exercising consistently builds muscle and strengthens the body, moving my hands every day gradually sharpens my tactile senses. At a certain point, I realise that my hands have gained strength and that my senses have become clearer. When I suddenly find myself able to freely realise a form that once felt difficult to handle, I experience a deep sense of immersion and joy as a maker.

Thinking through the movement of the hands also allows for small and large discoveries every day. Through this process, I collect my own original methods and techniques one by one, like “Dragon Balls” that no one else can steal from me. When I have a pocket full of these Dragon Balls, I reach a solid state as a maker, where I am no longer afraid of facing any material. In this sense, repetitive making and studies are, for me, a form of play through which I can fully enjoy this pleasurable process of growth.

Q: You have mentioned that traces of the hand and “noise” — things that cannot be found in factory-made, mass-produced objects — give your sculptures a sense of vitality. What kinds of imperfection do you hope viewers will sense in this exhibition?

A: Since I was very young, I often made everyday items such as clothes, shoes, and pencil cases for myself. It was because I could not find ready-made options that I truly liked. Looking back now, I think I simply could not feel any warmth from smooth, perfectly symmetrical objects made in factories. Even if they were clumsy, I instinctively felt attached to traces that had been touched by human hands — crooked, uneven, protruding marks.

Amid the flood of mass-produced objects dominated by efficiency and speed, imperfect flaws feel to me like precious traces of someone’s careful time and touch. I hope the everyday objects we encounter can carry a sense of soul and warmth. At the same time, in a society that treats perfect smoothness and flawlessness as the highest values, I want to see slightly lacking or crooked objects not rejected as defective, but standing with dignity in the corner of a room.

I believe that the very process of allowing imperfect objects to exist within a space can offer quiet comfort to us humans, who are also imperfect beings. Ultimately, I project emotion and personality onto objects, and the objects I make also come to acquire their own “characters.” I hope viewers will discover the beauty of imperfection in this exhibition space, and sense the comfortable atmosphere in which such imperfection is generously accepted.

Q: Ceramics is a medium with strong physical limitations, involving clay, glaze, and firing. Fabric, on the other hand, is thin, light, and flexible. What kind of freedom has fabric opened up in terms of your sculptural language and way of making?

A: Ceramics is still the most fascinating medium for me. However, the ceramic process — building with heavy clay, waiting for it to dry, and then firing it twice in the kiln — requires a long rhythm and comes with many physical limitations. These include the weight of the material, the scale restrictions determined by the size of the kiln, the time it takes to complete a piece, and the risk of breakage.

By contrast, fabric is light and flexible. It can be cut and joined quickly, and it allows me to work on a larger scale with relative ease. I especially enjoyed experimenting with the different characters of textiles: the firmness of leather, the translucency of fabric that can be used for lampshades, and the funky texture of cloth whose threads fray and unravel. Unlike clay, which becomes difficult to alter once it begins to dry, fabric gives me a sense of liberation because I can unpick the thread and revise the form spontaneously at any time.

Bringing in mechanisms from garment-making, such as quilting, Velcro, and buttons, and applying them to miniature chairs, clocks, and lamps — as well as to the language of furniture and my existing ceramic practice — was a very interesting sculptural experience.

Q: This body of work includes elements that recall functional objects such as clocks, chairs, and lamps, yet the works themselves feel closer to sculpture, removed from function and practical use. How do you see the boundary between functional objects and non-functional sculpture?

A: Existing on the ambiguous boundary between functional objects and non-functional sculpture has long been a concern of mine, and at the same time, it is also the identity of my work. From the perspective of pure abstract sculpture, my work may appear quite close to functional objects. But from the perspective of commercial furniture design, it may seem like sculpture that has lost its practicality. In the past, I sometimes wondered whether I should move more clearly toward one side or the other, but now I willingly accept the state of existing in this in-between space.

Neither abstract sculpture isolated from everyday life inside a glass case in a white cube, nor sleek industrial products without any excess, represents what I am seeking. I also do not think objects need to be defined by clear categories. An object that refuses to become a ready-made product, while emitting warmth and spirit from a place close to everyday life — this is what I am drawn to. Somewhere along that boundary, I wish to continue quietly walking as a maker who breathes vitality into objects.

Artist

정선우 Sunwoo Jung (b.1991)

2021년 네덜란드 게릿 리트벨트 아카데미(Gerrit Rietveld Academie) 세라믹과를 졸업한 후, 세라믹 스튜디오 카인드 카우(Kindkow)를 운영하며 암스테르담을 기반으로 도자를 주 매체로 한 작업을 이어나가고 있다.

일상 사물에 대한 지속적인 관심을 바탕으로 '만들기'를 통한 다각적인 실험을 진행 중이다. 점토와 패브릭 등의 물성을 통해 작가의 상상에 물질성을 부여하고자 매체의 물리적 질서에 도전하고 탐구한다. 의자나 시계 등 우리에게 익숙한 사물의 형태를 빌려온 작품들을 통해 매일 반복되는 일상의 행위와 그 과정에서 발견한 미묘한 차이, 그리고 그 안에서 생겨나는 리듬에 주목한다.
After grad uating from the Ceramics Department at the Gerrit Rietveld Academie in the Netherlands in 2021, Sunwoo Jung has continued her practice based in Amsterdam, primarily working with ceramics while running her ceramic studio, Kindkow.

Grounded in a sustained interest in everyday objects, Jung conducts multifaceted experiments through the act of making. Working with the material qualities of clay, fabric, and other media, she challenges and explores the physical order of each material in order to give tangible form to her imagination. Through works that borrow the familiar forms of objects such as chairs and clocks, she pays attention to the repetitive actions of daily life, the subtle differences discovered within them, and the rhythms that emerge through this process.

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◻︎ Artist:

정선우 Sunwoo Jung @kind.kow

◻︎ Photography:

박성재 Sungjae Park

◻︎ Display Fabrication
& Installation:

정유빈 Yubin Jung

◻︎ Graphic Design:

Cleo TSW

◻︎ Text / Q&A :

김채송 Chaesong Kim_pokettales director
정선우 Sunwoo Jung

Info Instagram

EP 5

2026 ++

EP 4

2025 ++

EP 3

2024 ++

EP 2

2023 ++

EP 1
2022 ++

pokettales

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