Melody Park - 1 2 3

색이 관계가 되는 순간

“색은 어디에나 있다.” 멜로디박에게 색은 눈에 보이는 모든 것이며 사람과 시간, 공간을 아우르는 감각의 총체다. 그는 색을 무언가를 표현하기 위한 도구로 다루지 않는다. 색은 그 자체로 작업의 중심이자 물질이며, 형태와 조형을 만들어내는 구조다. 이번 전시 <1,2,3>은 멜로디박이 지난 십여 년간 색을 보고 기록하고 배열해 온 시간이, 하나의 형식으로 응축되며 태어난 전시다.

그 뿌리는 2016년부터 지금까지 일기와 같은 연작 <diary>에 있다. 작가는 하루에 하나씩, 20×20cm 크기의 작은 모노크롬 캔버스에 그날 마주한 색을 옮겨 담아왔다. 낱장의 색이 작업실에 쌓여가던 어느 순간, 작가는 뜻밖의 사실 하나와 마주한다. 같은 색이라도 어디에, 어떤 색과 나란히 놓이느냐에 따라 전혀 다른 색으로 느껴진다는 것이었다. 색은 홀로 완결되지 않고 다른 색과 맺는 관계 속에서 비로소 제 모습을 드러낸다는 확인이었다. <1,2,3>은 이 확인에서 출발해, 색과 색이 만나 발생하는 관계 자체를 정면으로 다루는 시리즈다.

이 관계를 눈에 보이는 형식으로 옮기며 작가가 다시 찾아간 것은 회화의 가장 오래된 문법이었다. 카지미르 말레비치가 <검은 사각형> 한 점으로 회화를 가장 단순한 상태로 되돌려놓은 지점에서, 작가는 점과 선과 면, 그리고 이를 넓힌 스트라이프와 그리드를 새삼 들여다보았다. 사방으로 반복되며 뻗어나가는 그리드는 평면 위에 색이 놓일 자리와, 색과 색 사이에 남겨둘 여백을 가늠하는 하나의 좌표계가 되어주었다. 이 좌표 위에서 작가가 정한 최소 단위는 셋이다. 색이 홀로 있을 때는 드러나지 않던 관계가, 둘만으로는 아직 헐거운 그 관계가, 셋이 모였을 때 비로소 팽팽하게 당겨진다고 본 것이다. 이 발상에는 다이쇼·쇼와 시대 일본의 색채 감각을 집대성한 와다 산조의 『배색사전(配色事典)』이 겹쳐 있다. 두 가지에서 네 가지 색에 이르는 수백 가지 배색 사례를 방대한 색표로 늘어놓은 이 책에서, 작가는 유독 같은 크기의 세 가지 다른 색이 한 쌍을 이루는 대목에 눈이 갔다. 그렇게 이루어진 하나의 유닛은 언어로 치면 낱말 하나, 음악으로 치면 짧은 한 소절에 가깝다. 이 유닛들이 줄지어 놓이며 만드는 리듬, 그리고 색과 색 사이·캔버스와 캔버스 사이의 여백이 전시장 공간으로 번져나가며 만드는 확장이 이번 전시가 눈여겨보는 지점이다.

색을 관계이자 감각으로 바라보는 이러한 태도는 색의 지각 자체가 지닌 근원적 주관성에 대한 작가의 오랜 관심과 맞닿아 있다. 요세프 알버스는 저서 『색채의 상호작용 Interaction of Color』에서, 누군가 ‘빨강’이라 말하고 오십 명이 그 말을 듣는다면 그들의 머릿속에는 저마다 다른 오십 개의 빨강이 떠오를 것이라 말한 바 있다. 멜로디박은 이 말을 자신의 방식으로 다시 확인한다. 같은 색이라 해도 그것을 마주하는 빛과 공간, 그리고 그 순간 보는 사람의 상태에 따라 매번 다른 색으로 다가온다는 것을. 그에게 색은 고정된 대상이 아니라 전(前)인지적이고 전(前)언어적인 힘이며, 그렇기에 ‘시간은 무엇인가’라는 질문 대신 ‘시간은 누구인가’라는 하이데거적 물음을 색으로 되묻는 작업이 바로 <diary>였다. 2020년, 팬데믹과 개인적 위기의 시간을 통과하며 비스무트 바나다테 옐로우와 코발트 블루 같은 강렬한 색으로 심미적 위안을 찾았던 경험 또한 이 흐름과 이어져 있다. 색은 그에게 관찰의 대상이면서 동시에 스스로를 지탱하는 감각의 언어였다.

매일이라는 최소 단위를 통해 시간과 존재를 붙잡으려 한 시도는 멜로디박만의 것은 아니다. 1966년부터 세상을 떠난 2014년까지 오직 그날의 날짜만을 캔버스에 적어 넣은 온 카와라의 《Today》 연작은, 반복되는 하루하루를 기록함으로써 존재를 증명해 간 대표적인 예다. 형식은 다르지만 매일을 최소 단위 삼아 축적해 간다는 점에서, 그리고 그 반복 안에 삶의 시간을 새겨 넣는다는 점에서 온 카와라의 태도는 멜로디박이 십 년 넘게 이어온 색의 일기와 조용히 공명한다.

이번 전시 <1,2,3>에서 관객은 셋이라는 최소한의 관계로 응축된 색의 유닛들을 만나게 된다. 각각의 유닛은 하나의 완결된 단어이자 한 마디의 호흡이지만, 나란히 놓이는 순간 서로 다른 리듬과 새로운 의미를 만들어낸다. 그리고 그 사이의 여백은 캔버스 안에 머물지 않고 전시장이라는 공간으로, 그리고 그것을 바라보는 관객의 감각으로 열려 있다. 작가가 오랫동안 쌓아온 색에 대한 연구가 그러하듯, 이 전시 역시 하나의 결론이 아니라 계속되는 질문으로 남는다. 오늘 이 자리에서 마주한 색이 내일 다시 보았을 때는 또 다른 빛깔로 다가올 것이므로, 관객 각자의 눈과 감각으로 이 색들의 관계를 자유롭게 읽어나가길 바란다.

The Moment Color Becomes Relational

“Color is everywhere.” For Melody Park, color is everything visible—a totality of sensation encompassing people, time, and space. She does not treat color as a mere tool for expressing something else. Color itself is at the center of her work: it is both material and structure, giving rise to form and composition. 1, 2, 3 distills more than a decade of Park’s observing, recording, and arranging color into a single form.

Its roots lie in diary, an ongoing series, akin to a daily journal, that she began in 2016. Each day, she translates a color she encounters onto a small, 20×20cm monochrome canvas. As these individual color canvases accumulated in her studio, she came upon something unexpected: the same color could appear completely different depending on where it was placed and which colors surrounded it. Color is never complete in isolation; it reveals itself fully only in relation to other colors. 1, 2, 3 begins with this realization and directly explores the relationships that emerge when colors encounter one another.

In translating this relationship into visible form, she returned to the oldest grammar of painting. From the point where Kazimir Malevich reduced painting to its most elemental state with Black Square, she looked anew at the point, the line, the plane, and their extensions into stripes and grids. A grid that repeats and extends in every direction became a coordinate system through which she could gauge where to place a color on the plane and how much space to leave between one color and the next. On these coordinates, the smallest unit she settled on is three. A relationship that stays hidden when a color is alone, and remains loose with only two, is drawn taut only once three come together. This idea also draws on Sanzo Wada's A Dictionary of Color Combinations (配色事典), a compendium of the color sensibilities of Japan's Taishō and Shōwa eras. In this book, which lays out hundreds of combinations from two to four colors across vast color charts, she was drawn in particular to combinations where three different colors of equal size form a unit. A unit made this way is close to a word in language, or a short phrase in music. This exhibition attends to the rhythm these units create when placed in a row, and to the way the intervals between them, color to color and canvas to canvas, extend into the gallery space.

This way of seeing color as both relation and sensation meets Park’s long-standing interest in the fundamental subjectivity of color perception itself. In Interaction of Color, Josef Albers wrote that if one says "red" to fifty people, fifty different reds will be evoked in their minds. The artist reaffirms this in her own way: even the same color arrives differently each time, depending on the light and space in which it is met and on the state of the person looking at it in that moment. For her, color is not a fixed object but a pre-cognitive, pre-linguistic force, and diary became her way of posing, through color, a Heideggerian question—not "what is time" but "who is time." This same current runs through her experience in 2020, when, moving through the pandemic and a time of personal crisis, she found aesthetic solace in intense colors such as bismuth vanadate yellow and cobalt blue. Color was something she observed, and at the same time a sensory language that sustained her.

This attempt to capture time and existence through the day as a minimal unit is not unique to Melody Park. On Kawara’s Today series, in which he inscribed only the date of each day on canvas from 1966 until his death in 2014, stands as a seminal example of affirming existence through the repeated act of recording each passing day. Though their forms differ, Kawara and Park share an approach grounded in taking the day as a minimal unit of accumulation and inscribing the passage of a life within that repetition. In this sense, Kawara’s practice quietly resonates with the color diary Park has sustained for over a decade.

In 1, 2, 3, viewers encounter units of color condensed into a minimal relationship of three. Each unit is like a word complete in itself, a single breath, yet the moment they are set side by side they generate different rhythms and new meanings. The space between them does not remain within the canvas but opens into the gallery space and into the viewer’s senses. As with the artist’s years of research into color, this exhibition remains not a conclusion but a continuing question. The color encountered here today may appear differently when seen again tomorrow, and viewers are invited to freely interpret the relationships among these colors through their own eyes and senses.

Artist’s Statement
이번 작업은 그리드에 관한 탐구를 바탕으로 크게 〈1,2,3〉 시리즈와 〈코모레비〉 작업으로 나뉜다. 카지미르 말레비치가 회화의 근본적인 자율성을 제시한 〈검은 사각형〉에서 출발해 회화의 기본 요소인 점, 선, 면과 이를 확장한 스트라이프, 그리드를 다시 바라보았다. 특히 그리드는 가로와 세로의 선이 만나 면을 이루고, 그 면이 반복되며 구조를 형성하는 연속적이고 환원적인 특징을 지닌다. 이러한 구조적 원리는 이번 작업에서 평면과 공간 속 색의 위치와 여백의 관계를 탐구할 때 시각적 좌표이자 조형적 기준이 되었다.

〈1,2,3〉 시리즈는 2016년부터 지속해 온 〈diary〉 작업에서 출발한다. 작업실 곳곳에 놓인 20×20cm 크기의 모노크롬 캔버스들이 놓인 위치와 순서, 색의 배열에 따라 시각적 감각과 주관적 감수성이 달라지는 것에 주목했다. 이번 〈1,2,3〉에 사용된 세 가지 색은 〈diary〉 작업에 기록된 색이다. 세 가지 색을 하나의 유닛으로 구성한 것은 색과 색 사이에 또 다른 색이 놓이는 최소한의 구성이기 때문이다. 이러한 구성은 와다 산조의 『배색사전』에 나타나는 2색, 3색, 4색 배합의 형식에서 영감을 받았다. 각 유닛은 연속적인 배열을 통해 하나로 고정되지 않는 색의 관계에 주목하게 한다. 또한 동일한 크기의 세 가지 색은 위치와 간격에 따라 시각적 리듬을 형성하고, 색과 색 사이의 여백은 주변 공간과 상호작용하며 열린 구조로 확장된다. 나아가 〈1,2,3〉 시리즈의 배열 방식에 대한 실험은 〈diary〉 작업을 다시 바라보게 하는 계기가 된다. 〈diary〉에서 개별 캔버스에 기록된 날짜는 고정된 시간에 머무르지 않고, 축적되고 재배열될 수 있는 시간의 구조로 확장된다. 이처럼 〈diary〉와 〈1,2,3〉은 서로를 확장하며 새로운 관계를 만들어 갈 가능성을 열어 둔다.

〈코모레비〉는 일본어로 나뭇잎 사이로 비치는 빛을 뜻한다. 나뭇가지와 잎사귀는 그림자라는 면을 만들고, 그 사이의 공간은 시시각각 변화하는 빛으로 채워진다. 유기적으로 변화하는 공간적 배열과 색의 리듬은 하나의 패턴이 된다. 이러한 빛과 공간의 리듬을 통해 캔버스 안에서 회화의 구조적 여백을 탐구한다.

This body of work is broadly divided into the 1,2,3 series and Komorebi, both grounded in an exploration of the grid. Beginning with Kazimir Malevich's Black Square, which proposed the fundamental autonomy of painting, I reconsidered the basic elements of painting (point, line and plane) and their extensions into stripes and grids. The grid, in particular, has continuous and reductive qualities: horizontal and vertical lines intersect to form planes, which repeat to create a structure. In this work, that structural principle became a visual coordinate system and a formal framework for exploring the relationship between the placement of colour and negative space across the picture plane and in physical space.

The 1,2,3 series grows out of diary, a body of work I have continued since 2016. I became interested in how the 20×20cm monochrome canvases placed around my studio give rise to different visual sensations and subjective responses depending on their position, order, and arrangement of colours.

The three colours used in 1,2,3 are drawn from those recorded in diary. I organised them into units of three because three is the smallest number of colours that allows one to sit between two others. This approach was inspired by the two-, three-, and four-colour combinations in Sanzo Wada's A Dictionary of Color Combinations. Through their successive arrangement, the units draw attention to the shifting relationships between colours. The three equally sized colour fields create visual rhythms through changes in their positions and spacing. The spaces between them interact with the surrounding environment, allowing the work to expand into an open structure. Furthermore, experiments with the arrangement of the 1,2,3 series become an occasion to look at diary anew. The dates recorded on individual canvases in diary do not stay anchored to a fixed moment; they extend into a structure of time that can be accumulated and rearranged. In this way, diary and 1,2,3 extend one another, opening up possibilities for new relationships.

Komorebi is a Japanese word for sunlight filtering through the leaves of trees. Branches and leaves create planes of shadow, and the spaces between them are filled with light that changes from moment to moment. The organically shifting spatial arrangements and rhythms of colour form a pattern. Through these rhythms of light and space, I explore the structural qualities of negative space within the canvas.

Q&A with Melody Park

Q. <1,2,3>이라는 개념은 어떻게 시작되었나요? 색이 셋이 모여야 비로소 하나의 관계가 성립한다고 보신 계기가 궁금합니다.

A. 두 개의 색이 만날 때는 단순한 대비나 대립에 그칠 수도 있고, 그 자체로 하나의 짝(pair)이 되어 분리할 수 없는 한 덩어리로 인식될 수도 있다고 생각합니다. 세 가지 색이 모이면 색과 색 사이에 또 다른 색이 위치하며 그 관계가 훨씬 입체적으로 확장됩니다. 네 가지 이상의 색의 관계는 지나치게 복잡하기에, 세 가지 색의 조합이 가장 적절한 조건이라고 판단했습니다. 같은 세 가지 색이라도 배치하는 순서, 색과 색 사이에 두는 간격과 공간적 관계에 따라 서로에게 미치는 영향과 지각적 경험은 달라집니다. 저는 이러한 차이를 나란히 배치하여 연속적으로 비교해 보고 싶었습니다. 색은 주변 조건과 상호작용에 따라 무수한 해석이 가능합니다. 작업 <1,2,3>은 색이 가진 다층적인 면을 저의 문법으로 탐구하는 시도입니다.

Q. 2016년부터 이어온 <diary> 작업에서 <1,2,3>으로 넘어오게 된 구체적인 지점은 무엇인가요? 두 작업은 어떻게 다르고, 어떻게 이어지나요?

A: <diary>가 '색은 시간을 기록하는 단위가 될 수 있을까?'라는 질문에서 출발해 시간과 색을 함께 탐구하는 작업이라면, <1,2,3>은 색 자체의 상호작용을 다루는 리서치입니다. 두 작업은 접근 방식이 다르지만 모두 색을 매개로 연구한다는 공통점을 지닙니다. <1,2,3>은 동일한 크기로 색을 아카이빙해 온 <diary>의 포맷에서 출발해, 색 자체의 다층적인 면을 집중적으로 탐구합니다. 여기에 사용된 세 가지 색은 모두 <diary>에 축적해 온 색으로, <1,2,3> 작업을 위해 선별해 다시 만들었습니다. 또한 <1,2,3>에서 색의 배열을 통해 구조를 만들어 가는 방식은, 그날의 날짜를 동일한 크기의 캔버스에 색으로 기록해 온 <diary>도 다양하게 배치해 보며, 시간을 선형적인 흐름이 아닌 축적되고 재배열될 수 있는 구조로 다시 바라보게 합니다. 두 작업은 서로 확장될 가능성을 열어 둡니다.

2016년에 시작한 <diary>가 올해로 딱 10년이 되었습니다. 지난 10년 동안 작업실 곳곳에는 20×20cm 크기에 칠해진 단색 작업들이 무작위로 놓여 있었습니다. 이 <diary> 작업은 시간을 기록하는 하나의 단위이기도 했지만, 색 그 자체로서 작업실 안 여기저기에서 다른 작업을 위한 바탕이 되어 주기도 하고, 서로 조합해 보고 나열해 보며 제가 앞으로 나아갈 작업의 방향을 가늠해 보기도 하는 일종의 지표 역할도 해 왔습니다. 그러다 어느 날 우연히 인터넷에서 일본의 색채를 체계화한 와다 산조(Wada Sanzo)의 아름다운 『배색사전』 오리지널 레어북을 보게 되었고, 그 책에 대해 조사해 보니 한국에서도 보급판을 쉽게 구할 수 있어 바로 사려고 검색해 봤는데, 이미 제가 가지고 있는 책이었습니다. 와다 산조의 배색 연구를 다시 들여다보니, 제가 평소 작업실에서 <diary> 작업을 가지고 색을 실험하는 방식과 닮아 있었습니다. 『배색사전』의 형식에서 다시 한번 깨달음을 얻어, 제가 생각하는 색의 기본 개념을 풀어 보면 어떨까 싶어 <1,2,3> 작업을 만들게 되었습니다.

Q. 색을 전(前)인지적이고 전(前)언어적인 힘이라 규정하시면서도, 정작 작업은 숫자(1,2,3)와 날짜라는 언어적·기호적 체계로 이름 붙이고 정리되어 있습니다. 언어 이전의 감각을 언어적 체계 안에 담아내는 이 역설을 작가님은 어떻게 받아들이고 계신가요?

A. 우선 <diary> 연작은 색을 숫자나 날짜로 규정하기 위한 작업이 아닙니다. 발터 벤야민(Walter Benjamin)이 말했듯 색은 완결이나 경계가 없는 순수한 형태이자 매체입니다. 저는 객관적이지도 주관적이지도 않은 이 '색'이라는 영역이, 미스터리한 주제이지만 삶 자체인 '시간'이라는 본질을 기록하는 단위가 될 수 있는지 탐구해 왔습니다. 시간과 색 모두 관념의 틀에 가두기 어렵기에, 색이 제 시간을 기록할 수 있는 또 하나의 단위가 될 수 있다고 생각하기 때문입니다. 또한 이번 연작에 쓰인 ‘1, 2, 3’이라는 숫자는 색에 특정한 의미나 이름을 부여하는 '언어적 명명'이 아닙니다. 그것은 단지 세 가지 색의 배치, 순서, 그리고 공백이 이루는 '구조'를 가리키는 최소한의 기호일 뿐입니다.

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더 자세한 인터뷰 내용은 전시와 함께 제작된 아트북 『1 2 3』에서 이어집니다.

Q. How did the concept of 1, 2, 3 begin? I'm curious what led you to see three colors, specifically, as the point where a relationship first comes into being.

A. When two colors meet, I think their relationship can remain one of simple contrast or tension, or they can come to be perceived as an inseparable pair. When three colors come together, however, a third color enters into the relationship between the other two, making the relationships among them far more dimensional and layered. With four or more colors, these relationships become overly complex, so I came to see three colors as offering the most appropriate conditions for this exploration.

Even with the same three colors, the way they affect one another—and the way we experience them—changes according to their order, the distance between them, and their spatial relationships. I wanted to place these differences side by side and compare them within a continuous sequence. Color can be read in endlessly different ways depending on its surroundings and its interactions with other colors. 1, 2, 3 is my attempt to explore the multiple layers of color through a visual grammar of my own.

Q. What specifically led you from diary, which you've continued since 2016, into 1, 2, 3? How do the two differ, and how are they linked?

A. diary begins with the question, “Can color become a unit for recording time?” and explores time and color together, while 1, 2, 3 is research into the interactions of color itself. The two works take different approaches, but they both use color as a medium for research. 1, 2, 3 starts from the format of diary, in which colors have been archived at a consistent size, and focuses on the multilayered nature of color itself. The three colors used here were all selected from those accumulated in diary and remade specifically for this work. Additionally, the way 1, 2, 3 builds structure through the arrangement of color leads me to try arranging diary in various ways, with each date recorded in color on a canvas of the same size. In doing so, I reconsider time not as a linear progression but as a structure that can be accumulated and rearranged. The two works thus remain open to the possibility of expanding in relation to one another.

diary, which I started in 2016, just turned ten this year. Over the past decade, 20×20cm monochrome pieces were randomly placed throughout my studio. diary has been a unit for recording time, but the colors themselves have also become a foundation for other works. I would combine and arrange them in different ways, using them as a kind of index for considering where my work might go next. Then one day I happened to come across a rare original copy of Sanzo Wada's A Dictionary of Color Combinations online–a beautiful book that systematically documented Japanese color combinations. I looked into it, found that the widely available edition was easy to get in Korea, went to order a copy right away, and realized I already owned it. Looking again at Wada’s research on color combinations, I realized how closely it resembled the way I had been experimenting with color through diary in my studio. Revisiting the format of A Dictionary of Color Combinations, I began to wonder how I might express my own basic ideas about color. This became the starting point for 1, 2, 3.

Q. You define color as a pre-cognitive, pre-linguistic force, and yet your work is named and organized through the linguistic, symbolic systems of numbers (1, 2, 3) and dates. How do you make sense of that paradox: holding a sense that precedes language inside a system that is itself linguistic?

A. First off, diary isn't a work meant to pin color down through numbers or dates. As Walter Benjamin put it, color is a pure form and medium with no completion or boundary. What I've been exploring is whether this thing we call “color,” neither fully objective nor fully subjective, can become a unit for recording the essence of “time,” something mysterious but also life itself. Both time and color resist being boxed into a concept, and that's exactly why I think color can be another unit for recording my own time.

And the numbers “1, 2, 3” in this series aren't a form of “linguistic naming” that assigns a specific meaning or name to the colors. They're simply minimal signs pointing to the “structure” formed by arrangement, sequence, and the empty space between the three colors.

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The full interview continues in 1 2 3, the art book published on the occasion of the exhibition.

Artist

멜로디박 Melody Park(b.1987)

멜로디박은 시간과 환경의 변화 속에서 생성되는 감각을 색을 통해 탐구한다. 작가에게 색은 쉽게 정의 내리기 어려운 시간을 기록하고, 언어 너머의 감각을 포착하는 중요한 매개이다. 색을 하나의 물질이자 감각적인 대상으로 바라보고, 색과 재료, 색과 공간에 이르기까지 다양한 방식으로 실험하며 색이 지닌 다층적인 가능성을 탐구한다. 이를 통해 멜로디박은 익숙한 일상의 감각을 새롭게 바라보고, 색으로 연결되는 공감각적 경험을 제안한다.

멜로디박(b.1987)은 영국 킹스턴 대학교에서 순수미술 학사를 졸업하고, 글래스고 스쿨 오브 아트에서 순수미술 드로잉 석사 학위를 취득했다. 개인전으로는 《Spring Snow to Summer Watermelon》(최정아갤러리, 서울, 2025), 《Willow charcoal gray》(Prompt Project x hpix, 서울, 2023) 등이 있으며, 《Seeing Again》(Tang Contemporary Art, 2026), 《인천을 봄》(인천아트플랫폼, 2024), 《조용한 소음》(Fim, 2024), 《Turps Banana x PADA Residency 04》(Galeria PADA, 바헤이루, 포르투갈, 2022) 등의 단체전에 참여했다.

cv

Education

2017

석사 / 파인아트 드로잉 / 글라스고 스쿨 오브 아트 (영국)

2016

학사 / 파인아트 / 킹스턴 대학교 (영국)

Solo Exhibition

2025

Spring Snow to Summer Watermelon, 최정아갤러리, 서울

2023

Willow charcoal gray, Prompt Project x hpix, 서울
diary(2016-2023), 응접실 (2023 인천문화재단 문화예술지원사업)

2022

Swimming pool in the corner, 최정아갤러리, 서울

2021

Dianthus pink lemonade, 최정아갤러리, 서울
Bismuth vanadate yellow, H contemporary Gallery, 판교

2019

Melody of soft biscuits, 최정아갤러리, 서울

2018

지나간 자리에 남은 것, H contemporary Gallery, 판교
melody, 최정아갤러리, 서울

2017

You are in my dream, Drawing White Space, 글라스고 (영국)

2015

I want to feel fresh, Tsuru Lim, 런던 (영국)

Group Exhibition

2026

Seeing again(再視), Tang contemporary art, 서울

2024

Dear Friends, 최정아갤러리, 서울
조용한 소음, Fim, 서울
인천을 봄, 인천아트플랫폼, 인천

2022

Turps banana x PADA residency 04, Galeria PADA, 바레이로 (포르투갈)
An unexpected gift, 최정아갤러리, 서울

2020

20200220, 우연히 즉흥적인, 도잉아트, 서울
현상과 사유, H contemporary Gallery, 판교
Radioactive decay, 금나래 아트홀 (금천문화재단 예술지원사업), 서울

2019

Early Summer, 갤러리 가이아, 서울

2018

여기에 가치가 있다, 상상채굴단, 서울

2017

작지만 큰 기쁨, 최정아갤러리, 서울
The Residency, Herrick Gallery, 런던 (영국)
Summer exhibition, 영국 왕립미술원 (RA), 런던 (영국)
En exhibition, Mackintosh Club, 헬렌즈버그 (영국)
We met on the last year, House for an art lover, 글라스고 (영국)
Common Threads, GSA project space 2, 글라스고 (영국)

2016

Landscapes of Mind, Acclaimed Atelier und-Galeriehaus Defet, 뉘른베르크 (독일)

2015

Pylon, Stanley Picker Gallery, 킹스턴 (영국)
Mind Glass, 최정아갤러리, 서울

2014

Pasteurised Prepared Cheese Product, American square, 런던 (영국)

2013

2, 갤러리 한옥, 서울

2012

Book, Dantereong, 오사카 (일본)
Untitled, 최정아갤러리, 서울

Residency

2022

Turps banana x PADA residency, 바레이로 (포르투갈)

2017

Dumfries House 레지던시 (로얄 드로잉 스쿨), 글라스고 (영국)

2016

da Vinci artists 레지던시, 뉘른베르크 (독일)

Selection

미술은행 (국립현대미술관), 인천문화재단
다빈치 브러쉬, 독일

◻︎ Artist:

멜로디박 Melody Park @melodypark_

◻︎ Photography:

고정균 Jungkyun Goh

◻︎ Graphic Design:

모닥불 Modakbool

◻︎ Text / Q&A :

김채송 Chaesong Kim_pokettales director
멜로디박 Melody Park

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